tiểu luận đai học sư phạm Mỹ thuật phục hưng thế kỷ XVI

Đó là một kho tàng vô giá với hàng nghìn bức tranh, tượng và những công trình kiến trúc kỳ vĩ được tạo nên bởi những người khổng lồ của thời đại mới với tư tưởng mới, tư tưởng nhân văn c

MỸ THUẬT PHỤC HƯNG THẾ KỶ XVI

I Khái niệm phục hưng:

Trong thế kỷ qua hàng triệu con người vẫn phải kính cẩn nghiêng mình thám phục trước những giá trị nghệ thuật mà mỹ thuật phục hưng để lại cho nhân loại Đó là một kho tàng vô giá với hàng nghìn bức tranh, tượng và những công trình kiến trúc kỳ vĩ được tạo nên bởi những người khổng lồ của thời đại mới với tư tưởng mới, tư tưởng nhân văn cao cả

Nghệ thuật phục hưng khởi nguồn từ nước Ý Là con đẻ của giai cấp tư sản đang lên trong lòng xã hội Phong kiến Những cuộc cải cách ruộng đất, sự chuyển hóa từ thủ công nghiệp sang công nghiệp, những phát kiến địa lý sự phát triển của thị trường thế giới, công cuộc mở mang các đô thị ở một loại nước…

đã tạo nên sự thay đổi đáng kể bộ mặt của xã hội Phong kiến thế kỷ XV – XVI Giai cấp tư sản dần thay thế so với Phong kiến, quý tộc và nhà thờ Bởi vậy họ cần có ngôn ngữ nghệ thuật mới đáp ứng và bộc lộ được tâm tư, nguyện vọng cũng như tư tưởng của họ

Thuật ngữ “Phục hưng” xuất hiện chính thức vào thế kỷ XVI Và thực tế

nó chỉ được ứng dụng trong nghệ thuật tạo hình Vadari, họa sĩ ý sống vào thế

kỷ XVI là người đầu tiên dùng thuật ngữ ấy Khi viết “Sự phục hưng” của nền nghệ thuật Ý trong cuốn sách “ghi chép sinh động về các nghệ sĩ, nhà điêu khắc và kiến trúc sư nổi tiếng” {In năm 1550 – 1568} Từ đó thuật ngữ này cùng với cuốn sách của ông lan nhanh sang các nước Tuy nhiên “phục hưng”.

Không đơn thuần chỉ là một thuật ngữ, trái lại nó có một nội dung sâu sắc hơn

nhiều Danh từ “Phục hưng” {Renayssance} theo tiếng Pháp có nghĩa là sự tái

sinh hay phục hồi Các nhà sử học cho rằng thời kỳ trung cổ chỉ là sự cắt giản đơn trong quá trình phát triển của nền văn hóa, do đó họ chỉ ra rằng nghệ thuật vốn phát triển trong thế giới cổ đại cần được sống lại trong thời kỳ này, cần phải tạo ra một cuộc sống mới mẻ

Nghệ thuật cổ đại tôn thờ những giá trị nhân văn cao cả, lấy con người làm trung tâm của vũ trụ Nghệ thuật mượn các đề tài về thần thoại, về các thế giới của các thần thánh để miêu tả vẻ đẹp hình thể cũng như vẻ đẹp nội tâm của con người Một nền nghệ thuật hưng thịch với những công trình kiến trúc đồ sộ nhưng đầy tinh tế, với phong cách nghệ thuật tạo hình mang tính hiện thực cao tạo nên những vẻ đẹp mẫu mực của con người Tất cả đó đã bị nền nghệ thuật trung cổ vui dập, và được nền nghệ thuật phục hưng làm cho hưng thịnh trở lại

Angghel đã đánh giá cao thời kỳ này và coi đó là “bước ngoặc tiến bộ vĩ đại nhất từ trước tới nay của nhân loại” Khi được làm quen với những công trình

văn hóa thời kỳ phục hưng người ta sẽ thấy rất rõ sự khủng hoảng trầm trọng về thế giới quan phong kiến trung cổ Nó biểu hiện ở chủ nghĩa khổ hạnh tột bậc, ở

sự khinh niệt tất cả những gì có trên mặt đất, có trên cõi đời này Giờ đây, với văn hóa phục hưng người ta lại tha thiết với thế giới thực, với con người bằng thụ cảm cái đẹp và kỳ vĩ của thiên nhiên Thế giới thiên thần được thay thế bằng thế giới của niềm tin khoa học Sự tôn thờ cái uy quyền, uy thế của những kẻ cầm đầu chế độ phong kiến và nhà thờ nhường bước cho những nguyên tắc của

sự phát triển tự do chủ nghĩa cá nhân Chủ nghĩa nhân văn {Theo tiếng Latinh – Humanix – có nghĩ là tính người} ra đời, chủ nghĩa lạc quan nảy sinh Tất cả

những thứ chủ nghĩa đó không chỉ phản ánh trong khuôn khổ giai cấp tư sản mà trong quản đại quần chúng nhân dân Trong những ai chống lại chế độ phong kiến lỗi thời

Phong trào văn hóa phục hưng bắt đầu từ cuối thế kỷ XIII, đầu thế kỷ XIV đến cuối thế kỷ XVI mới kết thúc Một thời kỳ kéo dài 300 năm và một sự hoàn thiện định hình phong cách nghệ thuật mới Khởi đầu cho phong trào này

là các đô thị ở niềm bắc nước Ý như Phlorăngxơ, Xiênnơ sau đó lan sang các trung tâm khác như Rôm, Vơnirơ rồi tiếp tục lan sang các nước như Hà Lan, Anh, Pháp, Đưc…

Cùng với tìm ra chất liệu sơn dầu, phát minh ra phép phối cảnh giúp diễn

thể người đã tạo nên bước tiến vĩ đại trong lịch sử nghệ thuật Để lại cho nhân loại vô số những kiệt tác bất hủ

Mỹ thuật phục hưng được chia làm 3 giai đoạn

1 Tiền phục hưng: cuối thế kỷ XIV

2 Phục hưng: cả thế kỷ XV

3 Phục hưng cực thịnh: cuối thế kỷ XV đến đầu thế kỷ XVI

II Mỹ thuật phục hưng thể kỷ XVI

Ở thời tiền phục hưng, mỹ thuật đã đạt được nhiều thành tựu song nó mang bản chất của một nền nghệ thuật phôi thai, vừa chịu ảnh của mỹ thuật trung cổ đồng thời mang nhiều nét đổi mới tiến bộ Sự pha trộn này dẫn đến sự không ổn định về phong cách cũng như trong bản thân từng nghệ sĩ Nhưng sang thế kỷ XVI, mỹ thuật Ý đã thật sự phục hưng Một nền nghệ thuật đi theo hướng hiện thực tự nhiên đã phát triển rực rỡ, để lại nhiều tác giả, tác phẩm có giá trị còn tồn tại mãi mãi Theo các kiểu của nghệ thuật thì thời kỳ cổ điển của một nền nghệ thuật chính là các tác phẩm của thời kỳ đó đã đạt tới đỉnh cao, hoàn thiện mẫu mực và định hình về phong cách, từ kiến trúc, điêu khắc cho tới hội họa

Đây cũng là đánh dấu sự phát triển của hội họa giá vẽ Một thể loại tranh tồn tại độc lập không phụ thuộc kiến trúc Trước phục hưng, thể loại tranh sử dụng nhiều nhất là bích họa hay còn gọi là tranh tường Loại tranh này được vẽ

bằng Tampera hoặc tranh nề {Vẽ màu lên lớp vữa còn ướt} loại tranh này kết

hợp trong kiến trúc và tồn tại với công trình kiến trúc đó Đến thời kỳ phục hưng, nhất là vào thế kỷ XVI, cùng với việc phát hiện ra chất liệu sơn dầu, các họa sĩ đã mạnh dạn tách hội họa ra khỏi kiến trúc họ tạo nên dòng tranh giá vẽ với vô số những tác phẩm tiêu biểu được con người của nhiều thời đại yêu thích Tranh giá vẽ đã đề cập đến nhiều đề tài như: thần thoại, tôn giáo, chân dung, sinh hoạt…

Những trung tâm nghệ thuật lớn thời kỳ này là Rôm, Phlorăngxơ, Vơnirơ Phlorăngxơ là nơi hội tụ của 3 thiên tài lỗi lạc: Leona da vinci, Mikemlangio,

Raphaen Rôm lại là nơi thu hút các họa sĩ không những trong nước Ý mà cả nước ngoài tới học tập và làm việc Đây được xem là một trường học lớn, nơi đào tạo ra những bậc thầy về hội họa như: Giooc – giôn, Tanh – to – re veronedo Leona da vinci, Mikemlangio, Raphaen cũng lưu lại nhiều tác phẩm danh tiếng tại thành phố này

Tuy đây là thời kỳ phát triển cực thịnh của nghệ thuật phục hưng nhưng đến giữa thế kỷ XVI, nền nghệ thuật cũng nhanh chóng đi tới thoái trào do sự tác động của tình hình chính trị, xã hội bất ổn của nước Ý lúc bấy giờ Sự khủng hoảng về kinh tế chính trị và sự đe dọa của xâm lăng ngoại bang dẫn tới sự bất

ổn về nghệ thuật Song không ai có thể phủ nhận thành công to lớn về nhiều mặt

mà nền nghệ thuật thời kỳ cổ điển phục hưng đã đạt được

III Một số tác giả tác phẩm tiêu biểu

Leona da vinci, {1452 – 1519}

Ông là một họa sĩ đồng thời cũng là

nhà bác học am hiểu nhiều bộ môn khoa học

xã hội và khoa học tự nhiên: điêu khắc, kiến

trúc, toán học, cơ khí học… sự hiểu biết của

Ông mang dấu vết liên tục trong lịch sử

khoa học và nghệ thuật châu âu qua nhiều

thế kỷ Ông được xem là một trong những

nhà nghiên cứu và sáng tạo cái mới xuất sắc

Trong suốt quá trình hoạt động nghệ

thuật của mình Ông chỉ để lại khoảng 30 tác

phẩm Song mỗi tác phẩm của Ông lại là

một cuốc tìm tòi để tạo ra cái mới cho nhiều

thế hệ sau học tập Những tác phẩm của Ông

còn giữ tới ngày nay là những mẫu mực về

nhiều mặt cho nền hội họa thế giới

Chân dung tự họa

(321 x 500 cm)

Phần lớn thời gian trong cuộc đời là những chuyến du hành đây đó, những buổi học thực tế ngoài trời và những thử nghiệm cần có xưởng vẽ

Năm 1466 Ông đến Phlorăngxơ và nhận học việc trong xưởng vẽ của Vê-Rô-Ki-Ô Đây là một xưởng họa và trường học nổi tiếng của thành phố này Khoảng 6 năm sau Ông học xong Chính trong thời gian này Ông cũng bắt đầu sáng tác, nhưng phần lớn tác phẩm đầu tay của ông chịu ảnh hưởng thầy dạy của mình Tuy nhiên càng về sau tên tuổi của ông càng nổi bởi bằng tài năng nghệ thuật và trình độ khoa

học của mình ông đã đưa hội họa từ một nghề thủ công “đầy tớ” thành một “nghệ thuật tự do” bằng việc nghiên cứu luật phối cảnh, giải phẩu và quy luật ánh sáng để đưa chúng vào trong tranh “Ông và các họa sĩ khác cho rằng: phải dựa trên cơ sở khoa học mới có thể biến hội họa thủ công bị coi nhẹ thành nghệ thuật đáng coi trọng” {LSMT thế giới – Phạm Thị Chỉnh} chính những quan điểm đã đưa nghệ

thuật phục hưng đạt đến những giá trị đáng chân trọng

Một trong những tác phẩm tuyệt đẹp của Leona khi ông đến thành phố

Milan là bức “madona trong hang” {vẽ năm 1483 -1494} đây được xem là tác

phẩm ở giai đoạn trưởng thành của tác giả bởi vì nó đã đi vào quỹ đạo của tư tưởng nghệ thuật phục hưng Bức tranh có tính toán cẩn trọng về nhiều mặt, trong đó có cách giải quyết không gian và sự cân đối yên tĩnh nhờ sự xắp xếp tài giỏi giữa các nhóm nhân vật và thiên nhiên Hình ảnh Madona, Chúa và các thiên thần được xắp xếp một cách có chọn lọc và khái quát

Cũng trong thời

gian ở Milan giữa những

năm 1495 – 1498, Leona

vẽ bức tranh tường cho

nhà thờ thánh Maria

denhla – Hraxi {gần

Milan} “Buổi họp kín”

hay còn gọi là “bữa tiệc

cuối cùng”

Bữa tiệc cuối cùng (1495 - 1498)Tranh tường

Tác phẩm miêu tả bữa tiệc cuối cùng giữa chúa Giesu và 12 thánh tông đồ thân tín trước khi bị đóng đinh trên thánh giá Nét mới tiêu biểu trong bức tranh này là những xung đột kịch tính về tâm lý của các nhân vật qua sự phản bội chúa của Giuda Các nhân vật trong tranh được chia làm 4 nhóm, mỗi nhóm 3 người với bố cục thế giáng và thần sắc sinh động Nhân vật chúa Giesu được đặt ở chính giữa tranh, nổi bật giữa khung cửa sổ với thái độ trầm tĩnh bình thản Sự xung đột kịch tính trong tranh thể hiện ở sự tương phản giữa thái độ bình thản của chúa với sự giận dữ, hoảng hốt, xôn xao của các nhân vật khác Ngoài ra trong bố cục, bên cạnh vẻ mặt xấu xí trong thế nhìn nghiêng mạnh mẽ của Giuda

là vẻ mặt đẹp hiền, đầy sự suy tưởng của thánh Gioăng Bên cạnh sự sợ hãi của

kẻ phản bội là cử chỉ giận dữ của thánh Pie đang cầm dao…

Để thu hút ánh nhìn vào nhân vật trung tâm là chúa Giê su, tác giả đã sử dụng luật phối cảnh cho kiến trúc phòng ăn: tất cả những đường thẳng song song trong tranh đều tụ về một điểm ở chân dung của chúa Để phá thế những đường song song đó, Lêona sử dụng nhiều đường thẳng đứng, chéo góc và những đường ngang song song với mép tranh mà điểm nhấn là bàn tiệc Tất cả những đường hướng đó đã tạo cho bức tranh một bố cục độc đáo và lạ mắt Tác phẩm này rất xứng đáng là một trong những kiệt tác của hội họa Phục hưng Tác phẩm không chỉ có giá trị về mặt thẩm mỹ mà còn có giá trị to lớn về tính khoa học trong nghệ thuật Điều mà Lêona vẫn tâm đắc và tự hào

Sẽ thật thiếu sót nếu nhắc tới Lêona mà không nhắc tới tác phẩm Mônalisa hay còn gọi là La giocongdo Bức tranh nổi tiếng gắn liền với tên tuổi của hoạ sĩ

Đây là bức chân dung miêu tả

tâm lý rất thành công Nhân vật

trong tranh được tác giả chăm chút

cả về vẻ đẹp ngoại hình lẫn vẻ đẹp

nội tâm Điểm đặc biệt trong bức

tranh là nụ cười bí hiểm của nàng La

giocong, nụ cười vừa phảng phất

niềm vui vừa phảng phất nỗi buồn

khiến người xem cứ vương vấn mãi

Lêona đã khôn khéo sử dụng những

đường nhấn động ở khoé mắt, gò má

và khoé miệng để tạo nên nụ cười

tinh tế của nàng Qua hàng mấy trăm

năm, cho tới tận bây giờ nụ cười của

nàng vẫn làm mê đắm trài tim của

biết bao người yêu nghệ thuật, làm

tốn không biết bao nhiêu giấy mực

các nhà phê bình mọi thời đại chất

da thịt của nhân vật của tác giả miêu

tả rất thành công bằng thủ pháp “tương phản” đó là sự tương phản giữa màu

sẩm tối cùng những nét gấp rất nhỏ của trang phục với sự mịn màng tươi mát của chất da thịt Đôi bàn tay mền mại…Thành công ở bức tranh không chỉ dừng

ở đó, nàng Monalisa được tác giả đặt trên nền một bức tranh phong cảnh mờ ảo,

xa xăm, chập trùng Điều đó thể hiện lý tưởng của thời đại, lý tưởng nhân văn

cao cả: “con người luôn là trung tâm của vũ trụ, con người ở giữa thiên nhiên, giao hoà và là một nhân tố của thiên nhiên”(LSMT thế giới – Phạm Thị Chỉnh).

Cách thể hiện của Leona cho người xem cảm nhận về một Monalisa sang trọng, quý phái nhưng cũng rất hiền và tinh tế Một Monalisa chứa đầy những tâm tư thầm kín khiến ta cảm thấy như vừa nắm bắt được tâm tư của nàng vừa như không hiểu nàng đang hiểu nàng đang nghĩ gì Chính vẻ đẹp vừa rõ ràng, vừa ẩn dấu, vừa xa lạ vừa thân quen khiến nàng sống mãi, vượt qua thời gian không gian và đến với tất cả mọi người, mọi thời đại Chinh đó cũng là một thành công của tác phẩm bởi nó đem đến cho người xem rất nhiều cảm xúc đan xen Vẻ đẹp

Monalisa 1503

của nàng là một vẻ đẹp lý tưởng không chỉ của thế kỷ XVI, mà còn là vẻ đẹp lý tưởng của mọi thời đại

Không chỉ thành công ở thể loại chân dung, đề tài về chúa và thần thoại cũng được Leona thể hiện rất thành công với những tác phẩm nổi tiếng như: Đức mẹ Litta, Leda…

Sau khi vẽ tranh ở Phlorangxo xong, ông trở lại Milan lần nữa, nơi mà theo ông đã yêu mến và thấu hiểu tài năng của mình Ở đó được tài năng sau đó ông đi Rôm

Từ năm 1500 – 1516 Leona dành nhiều thời gian để nghiên cứu khoa học

Ông muốn sáng tác một bộ bách khoa toàn thư về “sự vật trong thiên nhiên”.

Ngoài ra ông vẫn sáng tác cho đến cuối đời

Một phác thảo của Lêonar Năm 1916 theo lời mời của vua Pháp ông Pari Tại đây ông qua đời sau

ba năm lưu trú (1519) Trong khoảng thời gian đó, ông dành để hệ thống hoá lại tài liệu mà ông đã viết về nghệ thuật Sách chưa kịp xuất bản thì ông đã mất Người học trò tâm phúc của ông là Francesco Melzi cất giữ và lo việc ấn hành Song các tài liệu vẫn bị thất lạc do chiến tranh Sau này người ta đã tìm được khoảng hơn 1000 trang bản thảo nghiên cứu của ông cùng các tác phẩm Đây

thật sự là 1 kho báu cho các thế hệ sau khi muốn học hỏi nghiên cứu về nghệ thuật hội hoạ thời phục hưng cũng như về sự nghiệp của Leonar De Vinci

Michenel Ange Buonarroti (1475 – 1564)

Ông là một trong số nghệ sĩ thời ấy tích cực phản ánh sự mâu thuẫn sâu sắc của thời đại Michenel Ange không chỉ là nhà điêu khắc nổi tiếng của thời kỳ phục hưng mà còn là một kiến trúc sư, một hoạ sĩ và là một nhà thơ Ở bất kỳ lĩnh vực nào ông cũng để lại những tác phẩm tiêu biểu được lưu giữ mãi tới mai sau

Michenel Ange sinh ngày 06 – 3 -1475 trong một gia đình quan chức nhỏ

ở Caprese, cách Phlorangxo không xa Ngay từ nhỏ ông đã đến Phlorangxo học trong trường dạy chữ Latinh và sau đó sang học tại xưởng vẽ của Ghirlandazo từ năm 13 tuổi Sau đó ông chuyển sang học ở trường nghệ thuật bậc thầy danh tiếng là Bertondo Giovani Ông học điêu khắc với Donatenlo và nghiên cứu tranh của các danh hoạ tiền bối

Những tác phẩm đầu tay của Michenel Ange là những phù điêu bằng cẩm

thạch, như “Madona ở cầu thang” (1490-1492) cuộc chiến đấu của những bọn

“nửa người nửa thú” (1492) chứa đựng niềm hưng phấn nghệ thuật rõ nét.

Michenel Ange say mê điêu khắc

từ nhỏ và ông luôn cho rằng điêu khắc

mới thật sự là nghệ thuật còn hội hoạ chỉ

là công việc của những kẻ thích nhàn rỗi

và phụ nữ Nhưng ông vẫn là một hoạ sĩ

kỳ tài với tác phẩm nổi tiếng nhất là

quần thể tranh trong nhà thờ Xic – xtin

Về kiến trúc tên tuổi của ông gắn liền với

công trình nhà thờ thánh Pie, công trình

do kiến trúc sư Bramangto thiết kế ban

đầu sau được giao lại cho ông Công

trình này đã trở thành kỳ quan của thế

giới thiên chúa Điều này chứng tỏ tài năng hiếm có của ông trong lĩnh vực kiến

Pietta (1496 - 1498) Tượng đá cẩm thạch

trúc Tuy vậy niềm đam mê thật sự của ông lại là tạc nên những pho tượng và tác phẩm đầu tiên đưa tên tuổi va uy tín của ông đến với mọi người là: Pietta

(theo tiếng Pháp có nghĩa là “tình thương”) Tác phẩm được ông hoàn thành

trong 5 năm Với tác phẩm này ông đã rất thành công khi miêu tả nổi sót thương, đau đớn của đức mẹ trước đứa con đã mất trên tay Chân dung chúa Gieessu cũng được tác giả miêu tả vô cùng sống động Ở đó ta nhìn thấy rõ nổi đau đớn mà chúa phải chịu đựng trước khi mất nhưng ta cũng nhìn thấy ở chân dung đó niềm kiêu hãnh của một vị anh hùng, một đấng cứu thế Ngoài ra tác phẩm còn thành công trong việc thể hiện những nét gấp trang phục, chất da thịt mền mại Bằng thủ pháp đối lập giữa nét mền mại của các nếp áo váy phong phú

và đa dạng với mảng phẳng nhẵn của cơ thể chúa Giesu Sự đối lập đó tạo nên

sự nổi bật khác nhau của nhân vật, ủa sự sống và cái chết

Từ năm 1501 – 1504, Michenel Ange dành thời gian để tạo nên kiệt tác cho nhân loại, đó là bức tượng người anh

hùng Davit của người dân Hebreuca đã

chiến thắng người khổng lồ Goliat Bức

tượng được là một sự hoàn thiện mẫu mực

về vẻ đẹp thể chất và vẻ đẹp tinh thần của

con người Vẻ đẹp thể chất của tác phẩm

được thể hiện ở tỷ lệ cân đối, ở chất da thịt

mền mại, sống động Tác giả đã kỳ công

miêu tả từng chi tiết cơ thể người anh hùng

Nó chi tiết đến từng mạch máu, nhất là ở đôi

bàn tay Tất cả mọi chi tiết đều đạt tới sự

chính xác tuyệt đối Về tinh thần người xem

có thể nhìn thấy chất anh hùng trên con

người Davit từ dáng đứng bình thản nhưng chưa đầy sức mạnh, từ cái nhìn cau mày, căng thẳng của một người chuẩn bị chiến đấu Vẻ đẹp của Davit là vẻ đẹp

David - tượng đá cẩm thạch

(1501 - 1504)