Các trào lưu của nghệ thuật thị giác

Mô tả các trào lưu, loại hình trong Nghệ thuật thi giác ..........................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................................

Các trào lưu của Nghệ Thuật Thị Giác

_Hudson River School (1825-1875)_ Trường phái sông Hudson

_Realism -Chủ Nghĩa Hiện thực (1830 - 1870)

_Art & Crafts Movement _ Trào lưu nghệ thuật và thủ công(1850s)

_Pre-Raphaelities -Hậu Raphael (1848-1920s)

_Impressionism - Trường phái Ấn tượng (1867-1886)

_Symbolism -Nghệ thuật Biểu trưng (1885-1910)

_Post -Impressionism - Nghệ thuật Hậu ấn tượng (1880-1920)

_Nabis (1888-1899)

_Art Nouveau _ Nghệ thuật mới [?](Cuối thế kỷ 19)

_Modernism -Nghệ thuật Hiện đại (1890-1940)

_Bloomsbury Group (1904)

_Fauvism - Dã thú (1905-1908)

_Ashcan School_ Trường phái Ashcan (1908-1918)

_Group of Seven _ Nhóm 7 người (1913)

_Art Deco_ Phong cách Nghệ Thuật Trang trí (1920-1930)

_Expressionism - Nghệ Thuật Biểu hiện (1905-1925)

_Der Blaue Reiter (1911)

Trang 2

_Bauhaus (1919-1939)

_Cubism - Trường Phái Lập thể (1908-1914)

_Dada (1916-1920)( Trường phái của cả nghệ thuật và văn học )

_Futurism - Chủ nghĩa Vị lai (1909 - 1944)

_Constructivism _ Nghệ thuật Cấu trúc(1915-1940)

_Surrealism - Chủ nghĩa Siêu thực (1920-1930)( Nghệ thuật và Văn học )

_Harlem Renaissance _ Phục hưng Da đen (1920 - 1930)

_Black Mountain College _ Trường Black Mountain (1930 - 1950)(1930 - 1950)

_Abstract Expressionism _ Nghệ thuật Trừu tượng biểu hiện(1940 - 1960)( Thời hoàng kim của Nghệ Thuật hiện đại Mỹ )

_Indian River School_ Trường phái sông Indian(1950)

_Pop Art (1950 - 1960)( Hậu duệ trực tiếp của Dada )

_Op Art _ Nghệ thuật tạo hiệu ứng thị giác(1960 - )

_Minimalism _ Nghệ thuật Cực tiểu ( Tối giản)(1962 - )

_Fluxus (1960 - 1965)

_Situationism - Nghệ thuật Tình huống (1957-1972)

_Neo-Expressionism - Nghệ thuật Biểu hiện Mới (1980s)

_Post Modernism - Hậu Hiện đại (1960s - )

Đôi nét về Vietnam Visual Arts

Chúng tôi, những nghệ sỹ, bằng nỗ lực cá nhân, thực hiện website www.vnvisualart.com với mục tiêu:cung cấp nguồn thông tin phong phú và thú vị về nghệ thuật thị giác và giúp bạn nuôi dưỡng tình yêu nghệ thuật của mình

Mục đích của chúng tôi là:

Đem đến những thông tin luôn được cập nhật về các hoạt động nghệ thuật thị giác đang diễn ra rất phong phú trên thế giới Tuy nhiên với những điều kiện hạn hẹp của chúng tôi, những thông tin này sẽ được chọn lọc và dịch ra tiếng Việt từ sách, báo, tạp chí nghệ thuật mà chúng tôi có thể tham khảo Tintức về hoạt động nghệ thuật đang diễn ra tại Việt Nam, bạn có thể tham khảo trên những trang web khác, và chúng tôi sẽ cung cấp những đường link cho bạn

Cung cấp cho bạn những kiến thức cơ bản về lịch sử nghệ thuật thế giới

Giới thiệu với bạn công việc của một số nghệ sỹ Việt Nam và nghệ sỹ Quốc tế

Giới thiệu với bạn những bài viết hay của các nhà phê bình Việt Nam và thế giới

( Trích Vietnam Visual Arts )

Các trào lưu nghệ thuật thế giới

Từ Cổ đại đến Hiện đại

Ancient & Classical Art

-Nghệ thuật cổ đại & cổ điển

(15000BC/400BC -200AD/350AD - 450AD[

Ancient: Có một vài ví dụ còn đến ngày nay với nghệ thuật cổ đại, thường được tìm thấy trong hang động, mộ cổ, các bức bích hoạ Ai Cập, đồ gốm và các tác phẩm bằng kim loại.

Classical: Liên quan đến hoặc bắt nguồn từ kiến trúc và nghệ thuật Hy lạp và La Mã cổ đại Chủ yếu làcác hình hình học hoặc đối xứng hơn là các biểu hiện cá nhân

Byzantine : Nghệ thuật tôn giáo với đặc trưng là các kiến trúc mái vòm lớn, viền bằng các đường cong

và khảm từ Đế chế Đông La Mã vào thế kỷ thứ 4

Medieval & Gothic

-Nghệ thuật Trung cổ và Gô-tích (400)

Medieval & Gothic

-Nghệ thuật Trung cổ và Gô-tích (400)

Medieval - một loại hình nghệ thuật mang tính tôn giáo cao bắt đầu từ TK5 ở Tây Âu Đặc trưng của

nó là các bức tranh in khắc gỗ minh hoạ các cảnh trong kinh thánh

Gothic - Phong cách này thịnh hành ở châu Aâu từ giữa TK12 đến TK16 ở Châu Âu, chủ yếu được biết đến như một trào lưu kiến trúc với các chi tiết trang trí dễ nhận thấy, các cổng tò vò nhọn và các vòm nhà

Đầu tiên xuất hiện ở Pháp, Gothic được coi là một giải pháp thay thế cho kiến trúc La mã Nó cho phép xây dựng nhà thờ với tường mỏng hơn và trang trí bằng các cửa sổ bằng kính màu thay vì các trang trí bằng khảm Một vài ví dụ điển hình cho phong cách này là các nhà thờ Chatres, Reims và Amiens Tên này cũng còn dùng để chỉ các tác phẩm điêu khắc và tranh biểu lộ rõ nét CN Tự nhiên.Renaissance -

Nghệ thuật Phục hưng (1300s)

Trào lưu này bắt đầu ở Italy trong TK14 và có nghĩa là sự hồi sinh, mô tả sự sống lại của những thành tựu nghệ thuật trong thế giới cổ điển Ban đầu, theo nghĩa đen, Renaissance là sự kiên quyết rời bỏ khỏi sự chi phối của nhà thờ trong thời đại Trung cổ và lưu tâm đến hoàn cảnh khó khăn tuyệt vọng của cá nhân trong xã hội Đó chính là thời điểm mà biểu hiện cá nhân và sự khám phá thế giới trở thành hai chủ đề chính trong nghệ thuật Phục hưng

Trào lưu này ra đời nhờ sự nguỵ biện ngày càng gia tăng trong xã hội, đặc trưng bởi sự ổn định về chính trị, kinh tế thịnh vượng và sự ra đời của CN Thế giới Giáo đục phát triển mạnh mẽ trong thời kỳnày, với các thư viện và viện hàn lâm, cho phép tiến hành nghiên cứu sâu hơn về văn hoá của thế giới

cổ đại

Thêm vào đó, nghệ thuật thời kỳ này nhận được sự bảo trợ từ các nhóm gây ảnh hưởng trong xã hội như gia đình Medici ở Florence, gia đình Sforza ở Milan và Giáo hoàng Julius II và Leo X Các tác phẩm của Petrarch lần đầu tiên đã biểu lộ sự quan tâm mới đến các giá trị trí tuệ của thế giới vào đầu thế kỷ 14 và sự lãng mạn của kỷ nguyên này được tìm lại trong thời kỳ Phục hưng có thể thấy trong các tác phẩm của Boccaccio

Leonardo da Vinci là nghệ sỹ Phục hưng tiêu biểu đã đưa các giá trị nhân văn của thời kỳ này vào nghệ thuật, khoa học và các tác phẩm viết của ông Raphael và Michelangelo cũng là những hình ảnh quan trọng trong thời kỳ này với các tác phẩm có sức sống hàng TK và là hiện thân của sự hoàn hảo cổđiển Các kiến trúc sư thời Phục hưng bao gồm Alberti, Brunelleschi và Bramante

Nhiều nghệ sỹ Phục hưng đến từ Florence and nơi đây chính là trung tâm quan trọng của nghệ thuật Phục hưng mặc dù sau đó được thay thế bằng Rome và Venice Một vài ý tưởng của nghệ thuật Phục hưng Ý đã lan sang các nước khác ở Châu Âu, ví dụ như nghệ sỹ Phục hưng người Đức Albecht Durercủa trào lưu "Phục hưng miền Bắc" Nhưng đến năm 1500s, Mannerism đã thay thế Renaissance và đómới chính là phong cách được bắt gặp trên toàn châu Âu

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo Buonarroti, Sandro Botticelli,

Sandro Botticelli

Venus_Titian

Mannerism (1520-1600)

Nghệ sỹ của thời kỳ Tiền Phục hưng và Hậu Phục hưng phát triển phong cách đặc trưng của họ từ việcquan sát thiên nhiên và mô tả nó một cách khoa học và chính xác Khi phong cách Mannerism chín muồi vào năm 1520 (năm mất của Raphael), tất cả các vấn đề về kỹ thuật mô tả đều đã được giải quyết Một khối lượng kiến thức khổng lồ đã được tích luỹ Thay vì học từ thiên nhiên, những nghệ sỹ Mannerism đầu tiên tìm kiếm phong cách của mình, sau đó mới chú ý đến bút pháp.

Trong tranh của thời kỳ Mannerism, bố cục có thể không cần có tâm điểm, không gian có thể được mô

tả một cách mơ hồ, hình có thể được tạo ra một cách kỳ cục như một lực sỹ điền kinh đang nghiêng người một cách vặn vẹo, méo mó và phóng đại, hay tay chân bị kéo dài ra một cách mềm dẻo, một tay đang làm một cử chỉ kỳ cục còn tay kia lại đang ở trong tư thế thật duyên dáng, và những cái đầu được

vẽ nhỏ một cách đồng đều và đều theo hình oval Bố cục tranh bị nhồi nhét bởi các màu sắc đối chọi, hoàn toàn không giống như màu sắc hài hoà, tự nhiên và gây xúc động mà chúng ta thấy được trong tranh ở thời kỳ Hậu Phục hưng Tác phẩm của thời kỳ này hướng tới sự kiếm tìm các yếu tố không ổn định và trạng thái bồn chồn Nghệ thuật thời kỳ này thường có nội dung ưa thích quá đỗi những câu chuyện ngụ ngôn với các ẩn ý dâm đãng

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo, Correggio

Madonna of the Harpies_Virgin in Majesty with the Child and the St Francis and St John the

Là một trong những thời đại phát triển huy hoàng nhất trong lịch sử nghệ thuật, nghệ thuật Barroque được phát triển nhờ sự đóng góp của Caravaggio, Annibale Carracci và Gianlorenzo Bernini cùng những người khác Đây cũng là thời đại của Rubens, Rembrandt, Velázquez và Vermeer

Vào TK18, nghệ thuật Baroque được thay thế bằng một phong cách nghệ thuật trang nhã và trau truốt

hơn, nghệ thuật Rococo.

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Caravaggio, Rubens, Velázquez, Annibale Carracci, Rembrandt,Vermeer,

Gianlorenzo Bernini, Nicolas Poussin

The Death of the Virgin

1605-06; Oil on canvas; Louvre

Caravaggio, Michelangelo Merisi da

( Tên của người họa sĩ nổi tiếng người Ý này được gọi theo tên nơi ông được sinh ra )

Self Portrait

1629 ; Oil on canvas; The Mauritshuis, The Hague

Rembrandt HARMENSZOON VAN RIJN

Rococo (1700s)

Trong suốt thế kỷ 18 ở Pháp, một tầng lớp trung lưu có thế lực và giàu có mới phát triển rất nhanh và mạnh, mặc dù giới quý tộc và hoàng gia vẫn là những người bảo trợ chính cho Nghệ thuật Sau cái chết của vua Louis XIV và sự từ bỏ cung điện Versailles, xã hội thượng lưu Paris trở thành nguồn nuôisống cho phong cách nghệ thuật này Phong cách này, ban đầu được sử dụng trong việc trang trí nội thất, sau đó được gọi là Rococo Rococo xuất phát từ ?rocaille?, trong tiếng Pháp có nghĩa là mã não trong và được dùng để chỉ những viên đá và vỏ sò được dùng để trang trí nội thất của các hang động

Do vậy, hình vỏ sò trở thành một motif có tính nguyên tắc trong phong cách Rococo Phụ nữ trong xã hội thượng lưu đua nhau trang hoàng nội thất trong nhà ở của họ một cách phù hoa nhất Vì vậy, phong cách Rococo bị chi phối và ảnh hưởng bởi khiếu thẩm mỹ của phụ nữ

Francois Boucher là một hoạ sỹ TK18 mà các tác phẩm của ông thể hiện rõ nét nhất phong cách Pháp trong thời kỳ Rococo Được dạy dỗ bởi người cha là một người thiết kế hàng ren, Boucher nổi tiếng với những bức tranh phong cảnh và thần thoại thư thái và cuốn hút Ông đã thực hiện các tác phẩm

quan trong phục vụ cho Hoàng hậu nước Pháp và Mdm De Pompadour, tình nhân của vua Louis XV, người phụ nữ được coi là có quyền lực nhất nước Pháp thời bấy giờ Boucher là hoạ sỹ được Mdm DePompadour ưa thích nhất và được Bà giao cho thực hiện rất nhiều tranh và công việc trang trí nội thất Boucher cũng trở thành người nhà thiết kễ mẫu chịu trách nhiệm chính trong xưởng gốm sứ của hoànggia Pháp và là giám đốc nhà máy sản xuất thảm thêu Gobelins Bức tranh "The Vulcan Presenting Venus with Arm for Aeneas" là một mẫu điển hình trong các sản phẩm của nhà máy này.

Với đặc điểm trang nhã và trau chuốt những chủ đề khôi hài, phong cách của Boucher trở thành hình ảnh thu nhỏ của triều đại Louis XV Đó là việc sử dụng màu sắc nhẹ nhàng và hình thức tế nhị trong việc mô tả các chủ đề mang tính phù phiếm Các tác phẩm đặc trưng thường sử dụng các thiết kế trangtrí thú vị để minh hoạ các câu chuyện thần thoại, ví dụ như những câu chuyện về người chăn cừu Arcadia, với các nữ thần, thần tình ái vui chơi trên bầu trời màu xanh và hồng Các tác phẩm này phản ánh cuộc sống suy đồi, phù hoa và vui nhộn của tầng lớp quý tộc Pháp tại thời điểm này

Rococo đôi khi được coi là giai đoạn cuối của thời kỳ Baroque

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Francois Bouucher, Giovanni Battista Tiepolo, Giovanni Antonio Canaletto, William Hogarth, Angelica Kauffmann

Neo-Classicism -

Cổ điển mới (1750-1880)

Là trào lưu và phong cách nghệ thuật Pháp TK19, bắt nguồn từ sự phản ứng với phong cách Baroque

Nó làm sống lại những ý tưởng của nghệ thuật cổ đại Hy lạp và La Mã Những nghệ sỹ neo-classicism

sử dụng các hình thức cổ điển để diễn tả các ý tưởng của họ về sự dũng cảm, sự hy sinh và lòng yêu nước David và Canova là hai ví dụ điển hình cho phong cách nghệ thuật này

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Jacques-Louis David, Jean - Auguste-Dominique Ingres, Antonio Canova, Arnold Bocklin, Thomas Gainsborough, Sir Henry Raeburn, Sir Joshua Reynolds

Những nghệ sỹ tiêu biểu và gắn liền với phong cách này là JMW Turner, Caspar David Friedrich, William Blake và John Constable

Ở Mỹ, đại diện cho trào lưu Lãng mạn chính là nhóm Hudson River School với những bức tranh phong cảnh lãng mạn

Những nghệ sỹ thành danh với phong cách lãng mạn bao gồm cả những nghệ sỹ tham gia trào lưu Raphael và Symbolism Nhưng những nghệ sỹ Ấn tượng, và phần lớn nghệ thuật của TK20, đều có nguồn gốc từ truyền thống Lãng mạn

Pre-Những nghệ sỹ tiêu biểu:George Stubbs, Sir Thomas Lawrence, Sir Edwin Landseer, William Blake, John Constable, Caspar David, Friedrich, John Martin, Eugene Delacroix, JMW Turner, Francisco Goya

Hudson River School (1825-1875)

Tên này được đặt cho một số những hoạ sỹ vẽ phong cảnh Mỹ hoạt động trong thời kỳ 1825-1875, lấy cảm hứng từ sự tự hào về phong cảnh đẹp đẽ nơi quê hương họ Ba hoạ sỹ sáng lập, và cũng là ba tên tuổi quan trọng nhất là Thomas Cole, Thomas Doughty, Asher B Durand

Tinh thần yêu nước của các hoạ sỹ thuộc trào lưu Hudson River School đã đem lại sự nổi tiếng cho họ vào giữa thế kỷ 19

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Thomas Cole, Thomas Doughty, Asher B Durand

Realism

-Hiện thực (1830 - 1870)

Realism, còn được biết đến dưới tên The Realist school, là một trào lưu nghệ thuật diễn ra vào giữa TK19 và với phong cách nghệ thuật này, các nghệ sỹ đã loại bỏ tính công thức của phong cách Cổ điển Mới (Neo-Classicsm) và tính màu mè của CN Lãng mạn (Romanticism) để vẽ về những chủ đề

và sự kiện gần gũi với thực tế hơn Trào lưu này mang theo một số thông điệp chính trị ?xã hội và đạo đức một cách điển hình, trong việc mô tả sự xấu xí hay các chủ đề thông thường Daumier, Millet, Courbet là những hoạ sỹ hiện thực

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Gustav Courbet, Honore Daumier, J A Mac Neil Whistler, Jean-Francois Millet, Jean-Baptiste- Camille Corot, John Singer Sargeant

Art & Crafts Movement (1850s)

Phong cách Victoria trong trang trí nội thất nặng nề với rất nhiều mẫu đồ đạc được trang trí bằng những chi tiết nhỏ và thường được phủ bằng những tấm khăn đính tua, phổ biến trong các gia đình trung lưu ở Anh và Mỹ trong suốt nửa sau của TK19 Tại cả hai nước, kỹ thuật sản xuất hàng loạt đã thúc đẩy việc sử dụng và phát triển các sản phẩm này theo nhiều phong cách khác nhau William Morris, một nhà thơ, nghệ sỹ và kiến trúc sư người Anh đã loại bỏ phong cách phức tạp này để tạo ra những mẫu thiết kế tiện dụng, đơn giản và khéo léo Kể từ đó, trào lưu Art & Craft đã được khai sinh.Cách mạng công nghiệp đã tách rời con người khỏi sự sáng tạo và chủ nghĩa cá nhân Người công nhân đóng một vai trò rất khiêm tốn trong guồng máy công nghiệp, sống trong một môi trường toàn những loại hàng hoá xấu xí được làm bằng máy, mang nhiều tính phô trương hơn là công dụng thực sựcủa nó Tiền đề của trào lưu Art & Crafts được đưa ra nhằm thiết lập lại những mối liên hệ giữa các sản phẩm tinh xảo, đẹp đẽ với những người thợ, trở về phong cách thiết kế trung thực hơn mà không thể tìm được trong những sản phẩm sản xuất hàng loạt Kiến trúc, đồ đạc và nghệ thuật trang trí trở thành tâm điểm của trào lưu này

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Walter Crane, Dante Gabriel Rosetti, Frank Lloyd Wright, John Ruskin, Gustav Stickley, Dirk Van Erp, William Morris, Elbert Hubbard, Charles & Henry Greene

PreRaphaelities

-Hậu Raphael (1848-1920s)

Trào lưu này được thành lập năm 1848 bởi Holman Hunt và John Everett Millais Tên của trào lưu được cả nhóm quyết định, mang tính tiêu biểu cho mục đích của nhóm là khám phá lại những phong cách hội họa của các họa sỹ sống trước thời Raphael Nhóm nghệ sỹ của trào lưu ban đầu gồm có Rossetti, anh của ông là William, James Collinson, nhà điêu khắc Thomas Woolner cũng như Hunt và Millais, chú trọng vào việc nghiên cứu các chi tiết của nghệ thuật thời trung cổ, đặc biệt là sự tỷ mỉ, kỹlưỡng của tính biểu trưng và các chủ đề về giai cấp quí tộc

Sự tranh cãi đã làm suy yếu nhóm ngay từ rất sớm Những nhà bình luận tin rằng tên tuổi của họ đã bao hàm rằng họ là những nghệ sỹ xuất xắc hơn cả Raphael, nhưng nhà phê bình John Ruskin, một người có khả năng gây ảnh hưởng lớn đã làm nên sự thành công cho họ Tuy nhiên, sau cuộc triển lãmrất thành công mang tên ?Ophelia? (1850-1851) của Millais tại Academy Exhibition, nhóm đã giải tán.Rossetti, cùng với William Morris và Edward Burne-Jones thành lập một nhóm thay thế ở Oxford, đặcbiệt quan tâm đến việc mô tả vẻ đẹp siêu thoát và nhợt nhạt, trong khi Millais và Hunt đi theo những con đường nghệ thuật của riêng mình nhưng vẫn tiếp tục làm việc với những ý tưởng ban đầu của trào lưu

Pre-Raphaelism thành công rực rỡ trong kỷ nguyên Victoria và tiếp tục phát triển đến tận đầu TK20 với các nghệ sỹ như Maxwell Armfield và Frank Cadogan Cowper trước khi bị lạc mốt vào những

Sự thay đổi đột ngột về hình thức của tranh Ấn tượng có được nhờ sự thay đổi trong phương pháp luận: trát sơn dầu màu nguyên lên toan thành những vệt màu nhỏ hơn là sử dụng những nét bút lớn, và

vẽ ngoài trời để có thể nắm bắt được ấn tượng trôi qua nhanh và riêng biệt của màu sắc và ánh sáng Kết quả là công việc này nhấn mạnh nhận thức của người nghệ sỹ về đối tượng được mô tả cũng nhiềunhư là chính đối tượng đó

Nghệ thuật Ấn tượng là phong cách mà theo đó, người nghệ sỹ bắt giữ được hình ảnh của vật thể mà bất kỳ người nào cũng nhìn thấy nó như vậy nếu họ chỉ nhìn thấy nó trong một thoáng Nghệ sỹ Ấn tượng vẽ tranh với rất nhiều màu sắc và phần lớn các bức tranh đó được vẽ ngoài trời Các bức tranh này thường rất sáng sủa và rực rỡ Họa sỹ Ấn tượng thường mô tả các hình ảnh bằng những mảng màu

rõ nét và không mô tả chi tiết Có thể kể tên một vài họa sỹ Ấn tượng lớn như Edouard Manet, CamillePissarro,Edgar Degas, Alfred Sisley, Claude Monet, Berthe Morisot và Pierre- Auguste Renoir

Manet là người gây ảnh hưởng lớn nhất đến sự phát triển của nghệ thuật Ấn tượng Ông thường vẽ về cuộc sống thường ngày Pissaro và Sisley vẽ phong cảnh đồng quê và phong cảnh sông suối Degas ưa thích chủ đề về các vũ nữ balê và các cuộc đua ngựa Morrisot vẽ phụ nữ làm các công việc thường ngày Renoir thích mô tả hiệu quả của ánh sáng trên hoa và các hình khác Monet thì chú ý đến những thay đổi tinh tế trong không gian

Trong khi khái niệm nghệ sỹ Ấn tượng bao trùm lên nghệ thuật của thời kỳ đó, có một vài trào lưu nhỏphát triển trong lòng nó như Pointillism (Điểm chấm), Art Nouveau và Fauvism (Dã thú)

Pointilism phát triển từ nghệ thuật Ấn tượng và liên quan đến việc sử dụng các chấm màu để tạo vẻ rực rỡ cho bức tranh khi xem từ xa Những chấm màu có kích thước bằng nhau không bao giờ bị trộn lẫn trong nhận thức của người xem và tạo ra hiệu quả lung linh như có thể cảm nhận được trong một ngày hè nắng nóng Một trong những họa sỹ bậc thầy trong phong cách này là Seurat với thử nghiệm đầu tiên của ông trong bức "la Grand Jette" (1886)

Seurat cũng tham gia vào trào lưu Neo-Impressionism (Ấn tượng Mới) cùng với Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec và Paul Signac Thuật ngữ "Divisionism" (hiệu ứng chia nhỏ) mô tả lý luận mà họ đi theo nhưng trên thực tế họ được biết đến với cái tên Pointilism Hiệu quả của kỹ thuật này, nếu được sử dụng hoàn hảo, có thể tạo ra sự hấp dẫn hơn nhiều lần so với phương pháp vẽ truyền thống trộn các màu lẫn vào nhau

Trào lưu Neo-Impressionism có ảnh hưởng rất ngắn Tên "Divisionism" cũng được dùng để chỉ một phong cách nghệ thuật thuộc trào lưu Neo-Impressionism ở Italia trong những năm 1890s-1900s, và cũng có thể coi đây là tiền thân của trào lưu Futurism xuất hiện năm 1909

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Eugene Boudin, Pierre- Auguste Renoir, Walter Richard Sickert, Frederic Bazille, Mary Casatt, Berthe Morisot, Alfred Sisley, Camille Pissarro

Symbolism

-Biểu trưng (1885-1910)

Nghệ thuật Biểu trưng bắt đầu như một phản ứng đối với sự diễn tả tầm thường các chủ đề, mà chú trọng hơn đến việc sáng tạo các tác phẩm nghệ thuật có tính gợi mở hơn Phong cách này có nguồn

gốc từ văn học với niềm tin của nhà thơ Baudelaire rằng ý tưởng và tình cảm có thể truyền tải không chỉ bằng ý nghĩa của từ ngữ mà còn có thể bằng âm thanh và nhịp điệu

Phong cách của các họa sỹ Symbolism tương đối khác biệt nhưng họ cùng chia sẻ nhiều chủ đề chung,đặc biệt là sự mê hoặc của sự bí ẩn và huyền bí Chủ đề tình ái, ăn chơi truỵ lạc và cái chết là những chủ đề ưa thích của nghệ thuật Biểu trưng Những nghệ sỹ tiêu biểu cho trào lưu này là 2 họa sỹ người Pháp Odilon Redon và Paul Gauguin, nhưng nghệ thuật Biểu trưng không chỉ bị giới hạn trong nước Pháp mà còn phát triển với những thành viên khác như họa sỹ Nauy Edward Munch, họa sỹ Áo

Gustav Klimt và họa sỹ người Anh Aubrey Beardley

Trào lưu này cũng được biết đến với cái tên Synthetism (Tổng hợp), nở rộ vào khoảng năm 1886 và kéo dài đến năm 1910 Đây là một sự phát triển rất quan trọng khi rời xa tính tự nhiên của chủ nghĩa

Ấn tượng và tỏ ra ưu ái đối với những cảm xúc của chủ nghĩa duy lý trí Một số nhà điêu khắc cũng tham gia vào trào lưu này như nhà điêu khắc người Bỉ Goerg Minne và nhà điêu khắc người Na Uy Gustav Vigeland Với sự thuỷ chung của nghệ thuật Biểu trưng với sức mạnh của khả năng biểu hiện của đường nét và màu sắc, trào lưu này là yếu tố quyết định trong việc tìm hiểu sự phát triển của nghệ thuật trừu tượng trong TK20

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Gustav Moreau, Odilon Redon, Gustav Klimt

Post -Impressionism -

Nghệ thuật Hậu ấn tượng (1880-1920)

Chủ nghĩa Hậu ấn tượng trong tranh của phương Tây, là một trào lưu nghệ thuật ở Pháp mà đã đưa ra

cả sự mở rộng của chủ nghĩa Ấn tượng và cả sự loại bỏ các hạn chế của phong cách nghệ thuật này Cái tên Post-Impressionism được nhà phê bình người Anh Roger Fry đưa ra để chỉ các tác phẩm của các họa sỹ cuối thế kỷ 19 như Paul Cezanne, Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Henri

de Toulouse-Lautrec, và những người khác Tất cả những họa sỹ này, ngoại trừ Van Gogh đều là người Pháp, và phần lớn trong số họ đều bắt đầu sự nghiệp với chủ nghĩa Ấn tượng; Mỗi người trong

số họ đều từ bỏ phong cách này để tạo ra một thứ nghệ thuật mang tính cá nhân cao của riêng mình Chủ nghĩa Ấn tượng có nền móng dựa trên sự mô tả vật thể bằng cách ghi lại thiên nhiên trong một hiệu quả tức thời của ánh sáng và màu sắc Chủ nghĩa Hậu ấn tượng đã loại bỏ hạn chế này và hướng đến mục tiêu là sự biểu hiện một cách có tham vọng hơn, tuy nhiên vẫn giữ lại việc sử dụng màu nguyên và rực rỡ của chủ nghĩa Ấn tượng, cũng như sự tự do trong việc lựa chọn đối tượng và kỹ thuật

vẽ với việc sử dụng nét bút ngắn với các màu sắc bị bẻ gẫy Tác phẩm của nhứng nghệ sỹ Hậu Ấn tượng đã tạo nền tảng cho một vài xu hướng phát triển đương đại và cho Chủ nghiã Hiện đại vào đầu

TK 20

Các nghệ sỹ Hậu Ấn tượng thường triển lãm chung, nhưng không giống như những nghệ sỹ Ấn tượng,những người bắt đầu như những kẻ ưa yến tiệc, thích hội hè, họ thường làm việc trong trạng thái cô đơn Cezanne vẽ trong xưởng của mình ở vùng Aix-en-Provence hoang vắng ở phía nam nước Pháp;

sự cô độc cũng được bắt gặp ở Paul Gauguin, người đã chuyển đến sống ở Tahiti năm 1891, và van Gogh, người đã sống và làm việc ở vùng quê xứ Arles Cả Gauguin và van Gogh đều loại bỏ tính khách quan vô thưởng vô phạt của chủ nghĩa Ấn tượng để cố gắng tìm một cách diễn tả mang tính tinhthần và cá nhân hơn Sau khi triển lãm cùng với các nghệ sỹ ấn tượng năm 1886, Gauguin đã từ bỏ cái gọi là "lỗi lầm ghê tởm của tự nhiên chủ nghĩa" Cùng với những nghệ sỹ trẻ như Emile Bernard, Gauguin tìm kiếm một sự thật đơn giản hơn và một lý luận mỹ học thuần khiết hơn trong nghệ thuật; ông quay lưng lại với giới nghệ thuật phù phiếm ở Paris, và thay vào đó, Gauguin kiếm tìm cảm hứng trong các cộng đồng ở nông thôn với các giá trị truyền thống hơn Giống như trong nghệ thuật trang tríbằng kính màu thời trung cổ với cách sử dụng màu nguyên, nguyên tắc đồng màu cùng các đường viềnnặng cũng như tính trang trí cao và sự tô màu rực rỡ trong các bản nguyên cảo, hai nghệ sỹ này đã khám phá tiềm năng diễn tả của màu nguyên và đường viền Gauguin đặc biệt đã sử dụng sự hài hoà của những màu đẹp có thể gây thích thú cho giác quan để tạo ra các hình ảnh đầy thi vị của con người vùng Tahiti mà ông đã sống cùng trong một thời gian dài Đến Paris năm 1886, họa sỹ người Hà Lan van Gogh ngay lập tức đã tiếp thu được các kỹ thuật và màu sắc của chủ nghĩa Ấn tượng để diễn tả cáctình cảm sâu sắc của mình Ông đã chuyển bút pháp sử dụng những nét bút ngắn tương phản của chủ

nghĩa Ấn tượng thành những vệt màu cong đầy tính biểu cảm, tăng quá mức sự tươi sáng của chủ nghĩa Ấn tượng, để có thể chuyển tải được tình cảm và cảm nhận ngây ngất của ông đối với phong cảnh thiên nhiên.

Nói chung, chủ nghĩa Hậu ấn tượng đã đưa nghệ thuật rời xa chủ nghĩa tự nhiên và hướng tới 2 trào lưu nghệ thuật lớn ở đầu TK 20, mà được coi là sự thay thế của nó: chủ nghĩa Lập thể và Dã thú, cũng tìm cách gợi nên tình cảm qua cách sử dụng đường nét và màu sắc

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Auguste Rodin, Georges Seurat, Henri de Toulouse-Lautrec, Amedeo Modigliani, Paul Gauguin, Paul Signac

Nabis (1888-1899)

Nabis có nghĩa là "Nhà tiên tri" trong tiếng Hebrew, được nhà thơ Cazalis đặt cho một nhóm nghệ sỹ với tính cách khác nhau như Bonnard, Vuillard, Denis, Sérusier, Vallotton, Roussel, Ibels, Piot,

Verkade và Ripple -Ronai

Sérusier là hạt nhân của trào lưu Tháng 11/1888 ông đưa ra một bức tranh nhỏ có tính tuyên ngôn,

"The Talisman", được vẽ ở Pont Aven dưới sự hướng dẫn của Gauguin Nhóm thường hội họp ở Café Brady, nơi họ đưa ra châm ngôn của nhóm với Denis là nhà lý luận Mục đích chung của nhóm là cố gắng ghi lại suy nghĩ và cảm giác thông qua năng lực liên tưởng của việc sử dụng một cách tự do những đường thẳng và màu sắc Họ đi theo những kiểu mẫu được lấy từ các nền văn minh nguyên thuỷ hoặc xa xôi như: tranh in Nhật Bản, nghệ thuật Hy lạp cổ, tượng thời trung cổ, nghệ thuật ghép kính màu thường được sử dụng trong nhà thờ hay những bức tranh Italia cổ Chiều sâu và kỹ thuật chạm khắc bị từ bỏ và các hình thức cách điệu hoá được truyền tải bẳng những mảng màu nguyên được bao quanh bằng một đường thẳng liên tục Nhịp điệu được tạo ra nhờ cách sử dụng đường nét vặn vẹo hoặc các hình trang trí dạng cuộn hay lượn cong mang tính biểu hiện cao Với những nguyên tắc chung này, một vài xu hướng nổi lên từ bên trong nhóm Các công việc mang tính tính thần cao của Denis, Sérusier và Verkade khoác vào bản chất bí ẩn của "biểu tượng hiện đại" Với Bonnard và Vuillard, đó là sự quan trọng của sự mô tả một vũ trụ riêng, trong khi Vallotton tập trung vào việc quan sát chân thật xã hội Mục tiêu của nhóm là tạo ra sự hoà nhập nghệ thuật với cuộc sống, điều đã được chứng tỏ trong lĩnh vực trang trí: cửa sổ bẳng kính màu, vải, giấy dán tường, thảm thêu, trang trí sân khấu Họ cũng thực hiện các posters và đóng góp trong việc hồi sinh nghệ thuật in khắc gỗ bằng việc vẽ minh họa và viết bình luận Cùng với xu hướng thời đại, họ là những nghệ sỹ dẫn đầu trong giới những người theo chủ nghĩa Biểu trưng (Symbolism) trong các lĩnh vực như thơ ca, văn học, sân khấu và báo chí Nhóm Nabis triển lãm chung lần cuối cùng ở gallery Durand-Ruel năm 1899, nhưng tại thời điểm này, mỗi thành viên của nhóm đã đi theo con đường riêng của mình

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Pierre Bonnard, Felix Vallotton, Maurice Denis, Edouard Vuillard, Xavier Roussel, Paul Sérusier

Ker-Art Nouveau (Cuối thế kỷ 19)

Thuật ngữ này dùng để mô tả một phong cách trang trí thịnh hành từ thập niên cuối cùng của TK19 cho đến đầu thế chiến I Nó được nhận ra bởi phong cách trang trí phức tạp, tỷ mỉ bằng cách sử dụng các đường thẳng không đối xứng, thường mô tả hoa lá hay các hình xoắn, hoặc là mái tóc đang bay trong gió của người phụ nữ Đây được coi là một trong những thời kỳ gây ấn tượng nhất của nghệ thuật trang trí, chẳng hạn trong trang trí nội thất, các tác phẩm làm từ thuỷ tinh hoặc đồ trang sức Tuy nhiên, cũng có thể tìm thấy phong cách này ở các poster và minh họa cũng như trong một vài bức tranh hay tượng ở thời kỳ này

Trào lưu này được đặt tên theo một cửa hàng ở Paris họat động với mục đích thúc đẩy và ủng hộ cho các ý tưởng nghệ thuật hiện đại: "la Maison de l?Art Nouveau" Nó chịu ảnh hưởng của nghệ thuật Biểu trưng về sự chia sẻ sự quan tâm đến các chi tiết đẹp, cũng như chịu nhiều ảnh hưởng của nghệ thuật Celtic và Nhật Bản Art Nouveau nở rộ ở Anh cùng với trào lưu tiến bộ Art & Craft, nhưng đã thực sự thành công trên toàn thế giới.

Nghệ sỹ nổi bật nhất của trào lưu là họa sỹ minh họa Aubrey Beardsley và Walter Crane ở nước Anh; kiến trúc sư Henri van de Velde và Victor Horta ở nước Bỉ; nhà thiết kế đồ trang sức René Lalique ở Pháp; họa sỹ Gustav Klimt ở nước Áo; kiến trúc sư Louis Sullivan ở Mỹ Chủ đề chung của trào lưu thường là biểu trưng và cái đẹp Trào lưu Art Nouveau mặc dù không phát triển sau năm 1914 nhưng đóng vai trò rất quan trọng trong sự phát triển của nghệ thuật trừu tượng

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Gustav Klimt, Aubrey Beardsley, Hector Guimard, Alphonse Mucha,

Antonio Gaudi, Henri de Toulouse-Lautrec

Modernism

-Nghệ thuật Hiện đại (1890-1940)

Nghệ thuật Hiện đại xuất phát từ nghệ thuật truyền thống và sử dụng các hình thức mới mẻ trong biểu hiện để phân biệt nhiều phong cách khác nhau trong nghệ thuật và văn học vào cuối TK19, đầu TK20 Nghệ thuật Hiện đại quan tâm đến các loại sơn mới và các chất liệu mới, biểu hiện tình cảm, ý tưởng,

và việc sáng tạo trừu tượng hoá và theo trí tưởng tượng, hơn là giới thiệu sự vật một cách thực tế Nghệ thuật loại này đòi hỏi người thưởng thức phải quan sát kỹ lưỡng để nhận thấy một vài yếu tố về nghệ sỹ, mục đích và môi trường của anh ta trước khi đánh giá tác phẩm Paul Cezanne được coi là

"Cha đẻ của Nghệ thuật Hiện đại"

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Paul Cezanne, Edouard Manet

bắt đầu nhận được sự tôn trọng khi được chú ý đến bởi những nhà buôn nghệ thuật lớn như Gertrude Stein Những nghệ sỹ liên quan đến trào lưu Dã thú bao gồm Mastisse, Rouault, Derain, Vlaminck, Braque và Dufy Mặc dù chỉ tồn tại trong một thời gian rất ngắn (1905-1908), nhưng Fauvism đã gây ảnh hưởng lớn đến cuộc cách mạng của nghệ thuật TK20.

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Andre Derain, Raoul Dufy, Henri Matisse, Maurice de Vlaminck

kỷ đầu tiên của TK 20 Hơn bất kỳ một thông điệp xã hội nào, mối quan tâm chính của nhóm là cuộc sống phong phú và sinh động, như ở New York, tại thời điểm đó đang chuyển thành một thành phố hiện đại

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Robert Henri, William J Glackens, John Sloan, George Luks, Everett Shinn.Group of Seven (1913)

Là nhóm họa sỹ người Anh-Canada chính thức được thành lập năm 1920 cho một cuộc triển lãm, nhưng công việc của những người này thực sự bắt đầu từ năm 1913, khi các thành viên của nhóm gặp nhau ở Toronto: Harris, quay trở về từ Mỹ, J.E.H MacDonald, một người vẽ rất giỏi và những họa sỹ thương mại như Arthur Lismer, Fred Varley, Frank Carmichael và A.Y Jackson Nhóm nghệ sỹ này tìm kiếm một nghệ thuật riêng cho mình qua các bức tranh phong cảnh Canada, đặc biệt là ở các vùng lãnh thổ phía Bắc với phong cách trang trí xuất phát từ Fauvism và Art Nouveau, mà họ đã khám phá được tại một cuộc triển lãm các bức tranh vùng Scandinavia được tổ chức ở Buffalo Năm 1933, nhóm

đã có những thành công lớn và trở nên nổi tiếng trong cộng đồng nói tiếng Anh ở Canada Sau đó nhóm được mở rộng và được gọi là "Nhóm họa sỹ Canada", nhưng ít được đón nhận ở Quebec, do khó

có thể nhận ra được phong cách của nhóm trong những bức tranh phong cảnh trống trải, không có dân

cư của vùng này Tuy nhiên, họ rất kiêu hãnh về tính địa phương chủ nghĩa của phong cách nghệ thuật của mình

Art Deco (1920-1930)

Là một trào lưu nghệ thuật liên quan đến sự pha trộn các phong cách của nghệ thuật trang trí hiện đại, phát triển mạnh trong thời kỳ 1920-1930 Đặc điểm chính của trào lưu này bắt nguồn từ hàng loạt phong cách hội họa tiên phong ở đầu thế kỷ 20 Tác phẩm của trào lưu Art Deco mang các đặc điểm của nghệ thuật Lập thể, Constructivism và Vị lai - với sự trừu tượng, bóp méo, tinh giản hoá và đặc biệt là các hình hình học và màu sắc mạnh mẽ - ca tụng thời đại của tốc độ, thương mại và công nghệ.Tác động của máy móc có thể nhìn thấy rõ rệt hơn trong những hình ảnh lặp lại và trùng khớp từ năm 1925; và vào năm 1930, có thể thấy rõ trong hình dạng khí động học bắt nguồn từ sự phát triển của môn khí động học

Tên Art Deco xuất hiện năm 1925 tại một triển lãm lớn được tổ chức ở Paris nhằm tôn vinh cuộc sống trong thế giới hiện đại mang tên: "Exposition Internationale des Arts Decoratifs Industriels et

Thường được coi là phong cách trang nhã và phức tạp trong kiến trúc và nghệ thuật ứng dụng, được sửdụng cho các sản phẩm từ sang trọng làm bằng các vật liệu đẹp cho đến các sản phẩm sản xuất hàng loạt dành cho giới trung lưu đang tăng trưởng mạnh trong xã hội

Expressionism - Biểu hiện (1905-1925)

Thuật ngữ này được dùng để chỉ việc sử dụng bút pháp xuyên tạc và phóng đại để tạo hiệu quả tình cảm, xuất hiện đầu tiên trong văn học đầu thế kỷ 20 Khi được đưa vào hội họa, bút pháp là yếu tố đóng vai trò quyết định với việc sử dụng các màu sắc mạnh, nét bút kích động và không gian rời rạc Không chỉ là một phong cách hội họa đơn thuần, đó còn là một bầu không khí nghệ thuật đã gây ảnh hưởng mạnh mẽ đến nghệ thuật múa, điện ảnh, văn học và sân khấu

Expressionism là phong cách nghệ thuật mà nghệ sỹ muốn mô tả không phải là hiện thực khách quan

mà là cảm xúc chủ quan và các phản ứng của vật thể gợi nên do sự tác động của chính nó và các sự kiện tương tác đến nó Nó đạt được điều này nhờ vào tính xuyên tạc, phóng đại, nguyên sơ, giàu tính tưởng tượng và bằng cách sử dụng một cách sinh động, xung đột, dữ dội hoặc có tính động học các yếu tố hình thức Theo nghĩa rộng hơn, Expressionism là một dòng chảy của nghệ thuật cuối thế kỷ 19

và đầu thế kỷ 20 mà sự biểu hiện suy nghĩ riêng cũng như nhân cách, hay tính biểu hiện bản thân một cách tự phát của tác giả được đẩy lên cao trào và đó cũng là đặc điểm của hàng loạt nghệ sỹ và trào lưunghệ thuật hiện đại

Không giống như nghệ thuật Ấn tượng, mục đích của nó không phải là việc mô phỏng lại ấn tượng tạo

ra bởi thiên nhiên, mà gây ấn tượng mạnh mẽ đến cảm quan của người nghệ sỹ đối với sự hiện diện của thiên nhiên Người nghệ sỹ biểu hiện thay thế hiện thực khách quan thị giác bằng hình ảnh của vật thể đó do người nghệ sỹ tự cảm nhận được như là một sự hiện diện một cách chính xác ý nghĩa thực sựcủa nó Việc tìm kiếm sự hoà hợp và hình thức không quan trọng bằng việc cố gắng để đạt được sự biểu hiện mạnh mẽ nhất, cả về cách nhìn của mỹ học cũng như theo ý tưởng phê bình nhân văn

Nghệ thuật Biểu hiện được đánh giá chủ yếu ở Đức vào năm 1910 Như là một trào lưu quốc tế, nghệ thuật Biểu hiện cũng được cho là sự kế thừa của một vài hình thức nghệ thuật thời trung cổ và trực tiếphơn, là hậu duệ của Cezane, Gauguin, Van Gogh và trào lưu Dã thú

Nghệ sỹ nổi tiếng nhất của trào lưu này là nghệ sỹ Đức Max Beckmann, Otto Dix, Lionel Feininger, George Grosz, Ernst Ludwig Kirchner, August Macke, Emil Nolde, Max Pechstein, nghệ sỹ người Áo Oskar Kokoschka, nghệ sỹ người Séc Alfred Kubin và nghệ sỹ người Nauy Edward Munch cũng liên quan đến trào lưu này Trong thời gian sống ở Đức, nghệ sỹ người Nga Kandinsky cũng là một người nghiện chủ nghĩa Biểu hiện

Những nghệ sỹ tiêu biểu: George Rouault, Franz Marc, Edvard Munch, Oskar Kokoschka, Ernst

Ludwig Kirchner, Marc Chagall, Egon Schiele

Der Blaue Reiter (1911)

Tên mà Marc và Kandinsky chọn để đặt cho một tuyển tập các bài viết về nghệ thuật hiện đại:

"Almanac" - nhà xuất bản Piper ở Munich, tháng 5/1912 Dự án này được bắt đầu thực hiện vào tháng 6/1911, theo một hợp đồng được ký vào tháng 9/1911, và các công việc biên tập được thực hiện trong mùa thu năm đó với sự đóng góp của nhiều nghệ sỹ và nhạc sỹ Tên này cũng được đặt cho triển lãm tuyên ngôn của nhóm sau khi bị tống ra khỏi Neue Kunstlervereinigung Triển lãm này khai mạc ngày 8/12/1911 ở Gallery Thannhauser và đã thu hút sự chú ý của những người bất đồng quan điểm như Macke, Munter, Campendonk và David Burliuk Tính độc đáo của cuốn sách và cuộc triển lãm này là

sự cởi mở đối với tất cả các loại hình nghệ thuật, kể cả đó là nghệ thuật Hiện thực hay là Trừu tượng, đem phương Tây và phương Đông đứng chung với nhau trong một banner quảng cáo, và công bố "sự cần thiết bên trong" của nghệ sỹ Triển lãm thứ 2 được tổ chức vào tháng 2/1912 ở Goltz gallery, trưngbày 315 tác phẩm của các nghệ sỹ Đức, Nga, Pháp trong đó có Klee, Braque, Picasso và Derain Những sự kiện này đánh dấu một mốc quyết định trong nghệ thuật hiện đại của Đức Kế họach cho

cuốn "Almanac 2" đã không bao giờ được thực hiện Chiến tranh đã hạ màn cho họat động của nhóm biên tập.

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Franz Marc, Wassily Kandinsky

Bauhaus (1919-1939)

Bauhaus là trường nghệ thuật, thiết kế và kiến trúc được thành lập năm 1919 ở Đức Phong cách Bauhaus được nhận ra bởi các thiết kế có tính hình học và kinh tế giản dị và bởi sự lưu tâm đặc biệt của nó đến chất liệu

Trường Bauhaus được thành lập năm 1919 khi Walter Gropius được chỉ định là hiệu trưởng của 2 trường nghệ thuật ở Weimar và hợp nhất hai trường làm một Tên Bauhaus được Walter đặt do đảo ngược từ "Hausbau" nghĩa là "xây dựng nhà"

Phương pháp giảng dạy tại trường tập trung vào việc đào tạo kỹ năng thực hành thuần thục và sinh viên được khuyến khích thiết kế các sản phẩm hàng hoá mà có thể đưa vào sản xuất hàng loạt Điều này đã gây tranh cãi kịch liệt và do không phù hợp với quan điểm của cánh tả ở Weimar, trường Bauhaus phải dời đến Dessau năm 1925

Trường Bauhaus phải dời một lần nữa đến Berlin năm 1932 và bị Phát xít Đức đóng cửa vào năm

1933 Trường Bauhaus hội tụ được những giáo viên với tên tuổi lẫy lừng như Paul Klee, Lyonel Feininger, Wassily Kandinsky, Laszlo Moholy -Nagy và Marcel Breuer Phong cách Bauhaus đến nay vẫn còn gây ảnh hưởng đến kiến trúc, thiết kế nội thất, ngành in và dệt Chúng ta thật sự không thể nhận ra một thế giới hiện đại mà không có sự hiện diện của nó

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Walter Gropius, Franz Marc, Laszlo Moho-Nagy, Lyonel Feininger, George Muche, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Wassily Kandinsky

Cubism

-Lập thể (1908-1914)

Trào lưu nghệ thuật lập thể bắt đầu ở Paris vào khoảng năm 1907 Nổi bật nhất là Pablo Picasso và George Braque, những nghệ sỹ lập thể đã phá vỡ truyền thống đã tồn tại hàng thế kỷ trước bằng việc loại bỏ điểm nhìn đơn trong tranh của họ Thay vào đó, họ sử dụng một hệ thống phân tích trong đó một vật thể ba chiều được bẻ vỡ và mô tả từ một vài điểm nhìn khách nhau trong cùng một lúc

Trào lưu được diễn đạt như là "một phương pháp mô tả thế giới mới", và đồng hoá các ảnh hưởng từ bên ngoài, chẳng hạn nghệ thuật châu Phi, hay các lý thuyết về tự nhiên mới, chẳng hạn "Thuyết tươngđối" của Einstein

Trào lưu lập thể thường được chia thành 2 thời kỳ: Thời kỳ Lập thể phân tích (1907-1912) và Lập thể tổng hợp (1913-1920s) Lập thể phân tích cố gắng đưa ra vật thể như được nhận thức bằng trí tuệ chứ không phải là sự nhận biết bằng mắt Lập thể tổng hợp tạo ra các tác phẩm được sáng tác bởi hình thứcđơn giản hơn với những màu sắc tươi sáng hơn Những nghệ sỹ tiêu biểu khác của Trào lưu nghệ thuậtlập thể bao gồm Robert Delaunay, Francis Picabia, Jean Metzinger, Marcel Duchamp và Fernand Leger

Những nghệ sỹ tiêu biểu: George Braque, Fernand Leger, Sir Jacob Epstein, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Juan Gris

Dada (1916-1920)

Là trào lưu nghệ thuật quốc tế do các nghệ sỹ và nhà văn ở châu Âu đưa ra trong khoảng 1915-1922 trên tinh thần nổi loạn và vô chính phủ Dada say sưa với những điều được cho là ngớ ngẩn và nhấn mạnh vai trò của sự không dự đoán trước được trong sự sáng tạo nghệ thuật

Bắt đầu tại Zurich với hành động của nhà thơ người Pháp Tzara khi ông thọc con dao nhíp vào trong cuốn từ điển để tìm một từ bất kỳ để đặt tên cho trào lưu này Ngay hành động này cũng một phần nói lên sự quan trọng của "tính cơ hội" trong nghệ thuật của Dada Sự bất kính là một đặc điểm nổi bật khác của Dada: tại một trong những triển lãm tai tiếng nhất của nhóm nghệ sỹ Dada, do Max Ernst tổ chức, rìu búa đã được cung cấp cho người xem để đập bỏ những tác phẩm đang được trưng bày tại đó Trong khi bề ngoài có vẻ là rất khiếm nhã, những nghệ sỹ Dada đã thực sự bị kích động do bị vỡ mộng

và bị xúc phạm về đạo đức, gây nên bởi sự tàn sát chưa từng xảy ra trong thế chiến I và mục đích chính của trào lưu nghệ thuật này là gây sốc và đưa mọi người ra khỏi sự tự mãn sau chiến tranh

Những nghệ sỹ tiêu biểu của trào lưu là Marcel Duchamp (người vẽ thêm râu cho Mona Lisa - một tác phẩm kinh điển của Dada), George Grosz, Otto Dix, Hans Richter and Jean Arp Dada có ảnh hưởng mạnh mẽ đến Pop Art, mà đôi khi còn được gọi là Dada-Mới

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Hans Arp, Marcel Duchamp, Raoul Hausmann, Johannes Baader, Paul

Eluard, John Heartfield, Hugo Ball, Max Ernst, Hans Richter, Andre Breton, George Grosz, Kurt Schwitters

Futurism - Chủ nghĩa Vị lai (1909 - 1944)

Là trào lưu nghệ thuật được dấy lên bởi những nghệ sỹ tiên phong Italia, lấy cảm hứng từ tốc độ, công nghệ và tính hiện đại, Chủ nghĩa Vị lai đã mô tả tính động của cuộc sống của TK20, tán tụng chiến tranh, máy móc và thiên vị CN Phát xít

Trào lưu này phát triển mạnh nhất trong khoảng từ năm 1909, khi mà tuyên ngôn về Chủ nghĩa Vị lai được Filippo Marinetti đưa ra lần đầu tiên, cho đến hết thế chiến lần thứ I Trào lưu nghệ thuật Vị lai

là trào lưu nghệ thuật duy nhất có tính tự sáng tạo

Ý tưởng của Vị lai luôn đến trước, theo sau là một nhóm công chúng phô trương; và chỉ sau đó, nghệ

sỹ mới có thể tìm được phương tiện để diễn đạt điều đó Tuyên ngôn của Marinetti, in trên trang nhất của báo Le Figaro, rất khoa trương và mang sắc thái kích động: "hãy châm lửa vào các kệ sách tràn nước vào các viện bảo tàng" - có nghĩa là Marinetti mong muốn làm sốc công chúng hơn là khám phá những chủ đề của chủ nghĩa Vị lai

Những nghệ sỹ Vị lai có ý định rất nghiêm túc và muốn đi xa hơn những lời nói khoa trương của Marinetti Mục đích của họ là mô tả sự cảm thụ bằng cảm giác như là "sự tổng hợp những gì mà người

đó nhớ trong tiềm thức và những gì mà người đó nhìn thấy", và nắm bắt được những"đường động lực"của vật thể, theo như cách nói của họ

Việc đưa ra "hình thức của chuyển động" đã ảnh hưởng đến rất nhiều nghệ sỹ, trong đó có Marrcel Duchamp và Robert Delaunay, và các trào lưu nghệ thuật khác như Lập thể hay Constructivism

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Filippo Tommaso Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Bocccioni, Carlo

Carras, Gino Severini

Constructivism_ Cấu Trúc(1915-1940)

Constructivism là sự sáng tạo của những nghệ sỹ tiên phong ở Nga và sau đó lan rộng khắp lục địa châu Âu Đức là nơi mà trào lưu nghệ thuật này phát triển mạnh nhất bên ngoài nước Nga (Đặc biệt, Đức là quê hương của Walter Gropius's Bauhaus - trường nghệ thuật cấp tiến thời đó luôn ủng hộ cho trào lưu này), tuy nhiên các ý tưởng của trường phái Constructivism cũng lan đến các trung tâm nghệ thuật khác như London, Paris và thậm chí cả Mỹ

Tính quốc tế của trường phái này được minh chứng bằng quốc tịch của những nghệ sỹ Naaum Gbo, Antoine Pevsner và El Lissizky mang nghệ thuật Constructivism từ Liên Xô cũ đến phương Tây, Laszlo Moho-Nagy đến nước Đức từ Hungary, Theo van Doesburg đến từ Hà lan, Ben Nicholson từ nước Anh, Josef Albers và Hans Richter là những nghệ sỹ người Đức tham gia vào trào lưu này và là những người phổ biến trường phái này ra thế giới

Nghệ thuật Constructivism được đánh dấu bởi sự tận tụy với nghệ thuật trừu tượng và sự chấp nhận bằng cả trái tim đối với chủ nghĩa hiện đại Giàu tính hình học, các tác phẩm Constructivism thường làcác thử nghiệm và hiếm khi biểu lộ tình cảm Các hình thức khách quan được cho là mang các ý nghĩa của vũ trụ được ưa thích hơn là các đối tượng cụ thể hoặc con người Trường phái nghệ thuật này cũngthường xuyên sử dụng sự tinh giản, đưa tác phẩm nghệ thuật đến các yếu tố cơ bản của nó Các chất liệu mới cũng thường được sử dụng Một lần nữa, hoàn cảnh lại là một yếu tố quan trọng: Nghệ sỹ củatrường phái Constructivism tìm kiếm một thứ nghệ thuật của trật tự, với nỗ lực loại bỏ quá khứ (trật tự

cũ được thiết lập trong thế chiến I) và dẫn dắt đến một thế giới hoà bình, đồng nhất và hiểu biết hơn Dòng tư tưởng ngầm không tưởng này biến mất trong nghệ thuật trừu tượng trong thời gian gần đây

mà được coi là gắn liền với Nghệ thuật Constructivism

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Vladimir Tatlin, Wassily Kandinsky, El Lissitzky, Kasimir Malevich,

Alexander Rodchenko, Laszlo Moholy-Nagy, Alexandra Exter, Robert Adams

Surrealism -

Chủ nghĩa Siêu thực (1920-1930)

Là trào lưu nghệ thuật và văn học cống hiến cho sự biểu hiện của sự tưởng tượng được tiết lộ trong những giấc mơ, thoát khỏi sự kiểm soát của ý thức về nguyên do và lệ thường của logic Chủ nghĩa Siêu thực kế thừa tính nhạy cảm đối với việc chống lại chủ nghĩa duy lý của Dada, nhưng với tinh thầnnhẹ nhàng hơn Giống như Dada, nghệ thuật Siêu thực được hình thành bởi những lý thuyết về nhận thức của con người về thực tế và bị ảnh hưởng rõ ràng nhất bởi lý thuyết về vô thức của Freud

Xuất hiện năm 1924 ở Paris với tuyên ngôn của André Breton về chủ nghĩa Siêu thực, mục tiêu chính của nó là "để giải quyết các điều kiện tương phản trước đây của giấc mơ và hiện thực, nhằm đạt tới một thực tại tuyệt đối hay siêu hiện thực" Nguồn gốc của phong cách này có thể nhận ra trong các tác phẩm thơ của các nhà thơ Pháp như Arthur Rimbaud, Charles Baudelair và Lautreamont, người đã tổng kết được tình yêu của những người theo CN Siêu thực đối với những điều phi lý "Cái đẹp có thể được cảm nhận trong một cơ hội nào đó khi bắt gặp một chiếc máy may và một chiếc dù trên một cái bàn mổ"

Những nghệ sỹ tiêu biểu của trào lưu này là Salvador Dali, Max Ernst, René Magritte và Joan Miro Ngày nay chúng ta vẫn có thể nhận thấy ảnh hưởng của chủ nghĩa Siêu thực đến văn hoá Pop, đặc biệt

là trong ngành công nghiệp quảng cáo

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Marcel Duchamp, Rene Magritte, Man Ray, Goergia O'Keeffe, Joan Miro,

Dorothea Tanning, Max Ernst, Salvador Dali, MC Escher, Sir Henry Moore, Pablo Picasso

Harlem Renaissance (1920 - 1930

Từ năm 1920 đến khoảng năm 1930, diễn ra sự bùng nổ các họat động sáng tạo chưa từng có trong lịch sử của người Mỹ gốc Phi xuất hiện trong hầu hết các lĩnh vực nghệ thuật Bắt đầu bằng hàng loạt các cuộc tranh luận văn học ở vùng hạ Manhattan (Greenwich Village) và vùng thượng Manhattan (Harlem) ở New York, trào lưu văn hoá Mỹ gốc Phi này được biết đến với cái tên "Trào lưu người da đen mới" và sau đó là "Phục hưng ở Harlem" Hơn là một trào lưu văn học và một cuộc nổi dậy trong

xã hội chống lại sự phân biệt chủng tộc, trào lưu này hướng tới sự đề cao nền văn hoá độc đáo của người Mỹ gốc Phi và đánh giá lại tính biểu hiện của nền văn hoá đó Người Mỹ gốc Phi được khuyến khích tôn vinh các di sản của họ và trở thành một "người da đen mới", một thuật ngữ được dùng năm

1925 bởi nhà phê bình -xã hội học Alain LeRoy Locke

Một trong những yếu tố đóng góp vào sự phát triển của trào lưu này là sự di cư hàng loạt của người

Mỹ gốc Phi lên các thành phố phía Bắc nước Mỹ (New York, Chicago và Washington D.C) vào giữa những năm 1919 ?1926 Trong cuốn sách gây được ảnh hưởng lớn của mình "Người da đen mới" -

1925, Locke đã mô tả sự di cư lên miền Bắc của người da đen như là "một sự giải phóng về tinh thần cho người nô lệ" Sự di cư của người da đen vào các thành phố, kết hợp với xu hướng phát triển trong

xã hội Mỹ thời đó, sự tiến bộ của những người da đen có học thức và cấp tiến ? bao gồm cả Locke, Marcus Garvey, sáng lập viên Hiệp hội Người da đen tiến bộ toàn cầu (UNIA) và W.E.B.Du Bois, biên tập viên tạp chí "The Crisis" - tất cả đã đóng góp vào việc tạo ra một phong cách riêng biệt và sự thành công chưa từng có của các nghệ sỹ da đen trong thời kỳ "Phục hưng ở Harlem"

Black Mountain College (1930 - 1950)

Là trường Đại học mang tính thử nghiệm đầu tiên được thành lập năm 1933 Bên cạnh việc đào tạo, nơi đây được tổ chức như là một địa điểm không chính thức cho các cuộc gặp gỡ và thảo luận, và bởi chất lượng và xuất xứ của các tác phẩm mà nó nuôi dưỡng, nó nhanh chóng nổi tiếng như là một trung tâm nghệ thuật, nơi mà rất nhiều nhà chuyên nghiệp lẫy lừng bắt đầu sự nghiệp của họ Albers, đến từ nước Đức do chạy trốn CN phát xít, là giám đốc khoa nghệ thuật trong thời kỳ 1933-1944 Ông đã đem đến cho SV những kinh nghiệm của một nghệ sỹ tiên phong ở Châu Âu, mà vào lúc đó vẫn còn mới mẻ ở Mỹ, cùng với phương pháp giảng dạy của trường Bauhaus

Các công việc của Albers trên màu sắc và trừu tượng"lạnh lẽo" đã có ảnh hưởng kéo dài đến Noland

và Rauschenberg, là 2 trong số các SV của ông Tuy nhiên, rất nhiều những tên tuổi nổi tiếng khác đã từng học ở đây trong thời gian ngắn hoặc dài: Zadkine, Motherwell, Merce Cunningham, De Kooning,Kline, Greenberg và, nổi bật nhất, John Cage, người có ảnh hưởng sâu sắc đến mọi lĩnh vực nghệ thuật Sự kiện đầu tiên được tổ chức tại trường vào năm 1952, cùng với Cunningham, Rauschenberg

và D Tudor Hướng tới sự loại bỏ ranh giới giữa nghệ thuật và cuộc sống, trường ĐH Black Mountain

là nơi nuôi dưỡng sự sáng tạo của Albers cũng như các thử nghiệm của John Cage Kể từ ngày đóng cửa vào năm 1956, nơi đây được coi là một trong những nơi chứa đựng những bí ẩn mà sự sáng tạo của bất kỳ ai cũng được đề cao bằng việc tiếp xúc với nó

Abstract Expressionism _ Trừu tượng biểu hiện (1940 - 1960)

Nổi lên ở New York trong những năm 1940s và nở rộ vào những năm 1950s, Nghệ thuật trừu tượng biểu hiện được coi như thời hoàng kim của Nghệ thuật hiện đại Mỹ Trào lưu này được đánh dấu bằng việc sử dụng kết cấu và bút pháp, sự nắm bắt cơ hội sáng tác chợt đến và thường sử dụng toan khổ lớn,tất cả các yếu tố đó được sử dụng để truyền tải những tình cảm mạnh mẽ qua sự ca ngợi hành động vẽ tranh

Một trong những người tiêu biểu của trào lưu này là Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de

Koooning, Robert Motherwell và Frank Kline Mặc dù tác phẩm của họ khác nhau nhiều về phong cách, chẳng hạn như những tác phẩm của Pollock thực hiện bằng cách nhỏ sơn lên toan và những tác phẩm được ấp ủ của Mark Rothko, tuy nhiên, họ cùng chia sẻ những quan điểm mà một trong số đó là

sự tự do trong biểu hiện cá nhân

Thuật ngữ này ban đầu được dùng để mô tả các tác phẩm của Kadinsky nhưng vào những năm 50s đã được các nhà phê bình sử dụng để mô tả trào lưu nghệ thuật ở Mỹ, mặc dù bản thân những nghệ sỹ, không thích sự phân loại này và thường tự gọi mình bằng cái tên "The New York School"

Trào lưu này thành công vang dội trên cả lĩnh vực thương mại và phê bình Kết quả là New York đã thay thế Paris trở thành trung tâm của nghệ thuật đương đại và sự ảnh hưởng trở lại của trào lưu nghệ thuật phi thường này có thể nhận thấy 30 năm sau thời kỳ đỉnh cao cuả nó

Những nghệ sỹ tiêu biểu:Jackson Pollock, Arshile Gorky, William Baziotes, Willem de Kooning, Jose Hoffmann, Adolph Gottlieb, Franz Kline, Mark Rothko, Barnett Newman, Robert Motherwell,

Clyfford Still

Indian River School (1950)

Gây ảnh hưởng đến nghệ thuật trong những năm cuối thập kỷ 50 và đầu những năm 60 bởi nghệ sỹ lớnngười Florida theo CN tự nhiên, A.E "Beanie" Backus, những nghệ sỹ da đen, cùng với những người khác Họ thường sử dụng vải căng trên tấm bảng gỗ, masonite và toan để vẽ những bức tranh phong cảnh vùng Florida trong sáng, gây tác động và cảm xúc mạnh mẽ

Các tác phẩm này thường được các nghệ sỹ tự đem bán trong các chuyến đi quanh vùng, chủ yếu dọc theo đường bờ biển phía đông nước Mỹ trong suốt hơn 40 năm qua

Pop Art (1950 - 1960)

Trào lưu nghệ thuật này được đánh dấu bởi sự mê hoặc của nền văn hoá Pop nhằm phản ánh xã hội sung túc sau chiến tranh Pop Art nổi lên ở Mỹ nhưng đã nhanh chóng lan sang Anh Với việc ca ngợi các vật dụng trong cuộc sống thường ngày như lon súp, bột giặt, cột tranh khôi hài trên báo hay chai nước soda , trào lưu này đã biến những hình ảnh phổ biến thành những biểu trưng

Pop Art là hậu duệ trực tiếp của Dada theo cách mà nó thiết lập nghệ thuật bằng những hình ảnh được lấy trên đường phố, trong siêu thị, trên các phương tiện thông tin đại chúng và giới thiệu bản thân chúng là nghệ thuật

Những nghệ sỹ như Jasper Johns và Robert Rauschenberg cùng sử dụng quốc kỳ và chai bia để làm đối tượng mô tả trong tranh của mình, trong khi nghệ sỹ người Anh Richard Hamilton sử dụng các hình ảnh trong tạp chí Định nghĩa mới nhất về Pop Art "phổ thông, nhất thời, có thể tiêu dùng (tiền), chi phí thấp, sản xuất hàng loạt, trẻ tuổi, khôi hài, sexy, phô trương, quyến rũ và các thương vụ lớn" - nhắm vào những giá trị thường ngày và những hình ảnh có tính đại chúng

Đó chính là Andy Warhol, người đã thực sự mang Pop Art đến với công chúng Các bức tranh in chai Coca-Cola, lon súp Campell và các diễn viên điện ảnh là một phần của sự mô tả bằng hình tượng của nghệ thuật thế kỷ 20 Bằng cách sử dụng các kỹ thuật thương mại và tạo ra các tác phẩm nghệ thuật được sản xuất bằng máy với hình thức bóng mượt, các nghệ sỹ Pop Art đã không tự coi mình là họa

sỹ, như quan niệm của các nghệ sỹ thuộc trào lưu Trừu tượng Biểu hiện (một trào lưu xuất hiện và phát triển rực rỡ ngay trước họ) Những nghệ sỹ Pop hàng đầu là Andy Warhol, Roy Lichtenstein, RoyHamilton, Jasper Johns, Robert Rauschenberg và Claes Oldenburg.

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, Andy Warhol,

David Hockney, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, Jeff Koons

Op Art (1960 - )

Op Art hay "Nghệ thuật tạo hiệu ứng thị giác" là thuật ngữ được dùng để mô tả những bức tranh hoặc tác phẩm điêu khắc có được sự đặc sắc và gợi cảm nhờ vào cách sử dụng các hiệu ứng thị giác Nhữngnghệ sỹ tiêu biểu cho trào lưu nghệ thuật này là Bridget Riley và Victor Vasarely đã sử dụng màu sắc

và sự chuyển màu trong tranh để đạt được hiệu quả mất định hướng ở người xem

Nghệ sỹ điêu khắc Eric Olsen và Francisco Sobrino sử dụng các lớp kính perpex (một loại chất dẻo) với các màu sắc khác nhau để tạo ra ảo giác tương tự như sự vặn vẹo hoặc méo mó trong hình thức Những nghệ sỹ này đã sử dụng ý tưởng được thiết lập dựa trên khoa học về tâm thần nhận thức, tuy nhiên các tác phẩm Op Art đòi hỏi sự chính xác tuyệt đối trong thực hiện để đạt được kết quả mong muốn

Op Art là một hình thức của Nghệ thuật Trừu tượng và có quan hệ rất gần với trào lưu nghệ thuật Kinetic - Contructivist

Trào lưu này là mốt trong những năm 60-70 ở Mỹ và Châu Âu nhưng được giới phê bình chào đón một cách hoài nghi / Sau triển lãm "The Responsive Eye" ở MoMA năm 1965, cái tên Op Art trở nên quen thuộc và nó được đón nhận nhanh chóng bởi các nhà thiết kế thời trang và các cửa hàng bán lẻ trên các đường phố lớn

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Bridget Ridley, Heinz Mack, Victor Vasarely

Minimalism_ Nghệ Thuật Cực Tiểu (1962 - )

Nghệ thuật "Tối giản" nổi lên thành trào lưu trong những năm 1950s và tiếp tục phát triển trong thập

kỷ 60-70 Đây là thuật ngữ được sử dụng để mô tả tranh hoặc tượng với sự đơn giản trong cả nội dung

và hình thức thể hiện, luôn tìm cách xoá bỏ những dấu hiệu của sự biểu hiện cá nhân Mục đích của Minumalism là cho phép người xem thưởng thức tác phẩm một cách thuần khiết không bị sao nhãng bởi bố cục, chủ đề

Những ví dụ về Chủ nghĩa Tối giản có thể tìm thấy từ rất sớm, từ TK 18 khi Goethe xây dựng "Alta ò Good Fortune", đơn giản chỉ bằng một phiến đá hình cầu và một khối đá hình lập phương Nhưng đến tận thế kỷ 20, nó mới trở thành một trào lưu nghệ thuật Từ những năm 20s, những nghệ sỹ như

Malevich và Duchamp đã có những tác phẩm lấy nguồn cảm hứng từ CN Tối giản nhưng trào lưu này chỉ được biết đến chủ yếu nhờ những nghệ sỹ Mỹ như Dan Flavin, Carl Andre, Ellsworth Kelly, và Donald Judd, những người đã thể hiện sự phản ứng lại với CN Trừu tượng Biểu hiện bằng các tác phẩm tranh, tượng và sắp đặt bình dị của mình

Nghệ thuật tối giản liên quan đến một số các trào lưu nghệ thuật khác như "Conceptual Art - Nghệ thuật Ý niệm" theo cách mà sự tồn tại của một tác phẩm nghệ thuật chỉ để truyền tải một thông điệp nào đó, "Pop Art" trong tính đại chúng và với "Land Art" trong sự cấu tạo đơn giản của hình dạng Nghệ thuật Tối giản đã chứng tỏ sự thành công rực rỡ gây ảnh hưởng lớn trong sự phát triển của Nghệ thuật trong thế kỷ 20

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Frank Stella, Ellsworth Kelly

Fluxus (1960 - 1965)

Trào lưu nghệ thuật Fluxus nổi lên ở NY trong những năm 1960, lan rộng đến châu Âu và Nhật Bản Trào lưu này chứa đựng một nguyên tắc mỹ học mới Nguyên tắc mỹ học này bao gồm sự tối giản các

cử chỉ, một phần Dada, một phần Bauhaus và một phần Zen (Thiền học) và cho rằng tất cả các chất liệu và nguyên tắc nghệ thuật đều như nhau trong sự tổng hợp và đồng nhất FLUXUS đã tiên đoán sự phát triển tiên phong của nghệ thuật trong hơn 40 năm qua

Nghệ thuật ý niệm và Performance của trào lưu Fluxus có đặc tính của CN Tối giản nhưng thường đưa

ra những hành động có xu hướng mở có cơ sở khoa học, triết học, xã hội học hoặc các ý tưởng khác của các nghệ sỹ và pha trộn với tính khôi hài

Yoko Ono là một trong những nghệ sỹ nổi tiếng gắn liền với sự phát triển của Fluxus, nhưng cũng có rất nhiều nghệ sỹ Fluxus khác hoạt động bền bỉ kể từ khi trào lưu này nổi lên Vào những năm 1960s, thời điểm mà trào lưu này hoạt động mạnh mẽ nhất, những nghệ sỹ này trên toàn thế giới đã làm việc với động cơ theo kiểu tự phát nhưng luôn cẩn thận giữ gìn một hệ thống Fluxus Kể từ đó, Fluxus không còn là một trào lưu nhưng nó đã trở thành một sự hợp nhất nhạy cảm giữa những tư tưởng xã hội cấp tiến với những hoạt động nghệ thuật và nó phát triển hơn bao giờ hết Ban đầu được coi là một

hệ thống của những kẻ ưa thích đùa cợt, và ham vui, ngày nay, Fluxus đã được thừa nhận và đang là

hệ thống của những nghệ sỹ khôn ngoan và cấp tiến, những người tìm kiếm và sử dụng nghệ thuật của mình để thay đổi chính trị và xã hội, cũng như các nguyên tắc mỹ học và nhận thức xã hội

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Joseph Beuys, Robert Filliou, Dick Higgins, Yoko Ono.

Situationism -

Nghệ thuật Tình huống (1957-1972)

Trào lưu này được khởi xướng bởi một nhóm nghệ sỹ tiên phong chịu ảnh hưởng của Dada,

Surrealism và Lettrism Nhóm Lettris Internationale được thành lập sau chiến tranh gồm những nghệ

sỹ muốn tìm kiếm sự hợp nhất giữa thơ và âm nhạc và làm biến tính phong cảnh thành phố Nhóm Lettris đã thành lập tạp chí "Situationiste Internationale" vào năm 1957 Ban đầu, họ quan tâm đến "sự

đè nén của nghệ thuật", và nói theo một cách nào đó, giống như những nghệ sỹ Dada và Siêu thực trước đây, họ mong muốn xóa bỏ sự phân loại nghệ thuật và văn hoá như là những hành động riêng biệt nhằm biến chúng thành một phần của cuộc sống hàng ngày

Đầu tiên, trào lưu này xuất hiện trong một nhóm nghệ sỹ mà Asger Jorn là người có triển vọng nhất

Từ năm 1962, Situationism đã tăng cường áp dụng lý thuyết phê bình của nó, không chỉ cho văn hoá

mà còn cho tất cả các khía cạnh của xã hội tư bản Guy Debord nổi lên như là một hình ảnh quan trọngnhất

Những nghệ sỹ Situationism quay trở lại khám phá lịch sử của các trào lưu vô chính phủ, đặc biệt trong thời kỳ First International, và lấy cảm hứng từ Tây Ban Nha, Kronstadt và Makhnovists Họ mô

tả USSR (Liên Xô cũ) như một sự quan liêu của chủ nghĩa tư bản và ủng hộ Công đoàn công nhân Nhưng thật sự họ không hoàn toàn chủ trương vô chính phủ vì có xu hướng muốn lưu giữ chủ nghĩa Marx, đặc biệt với các bài phê bình đã gây ra sự tức giận trong dư luận của Henri Lefebvre Họ tin rằng các cuộc cách mạng ở các nước theo Chủ nghĩa Tư bản phải được lãnh đạo bởi "giai cấp vô sản

mở rộng" trong đó bao gồm cả những người làm công ăn lương Thêm vào đó, mặc dù họ tuyên bố là không mong muốn sự trừng phạt và lãnh đạo, họ vẫn giữ nguyên một nhóm bao gồm những người tiênphong thuộc về tầng lớp ưu tú trong xã hội, những người muố n giải quyết sự khác biệt bằng cách tống

ra ngoài những kẻ ngoại đạo thiểu số Họ mong muốn một cuộc cách mạng vô sản trên toàn thế giới đểtạo ra sự thoả mãn tối đa

Neo-Expressionism -

Nghệ thuật Biểu hiện Mới (1980s)

Một trào lưu nghệ thuật đa dạng ngự trị trên thị trường châu Âu và Mỹ trong những năm đầu và giữa thập kỷ 80 Nghệ thuật Biểu hiện Mới bao gồm sự tập hợp của hàng loạt các nghệ sỹ trẻ, những người

đã trở lại với việc mô tả cơ thể con người và những vật thể có thể nhận ra được, phản ứng với các sản phẩm nghệ thuật trừu tượng có tính xa cách, hướng nội, tri tuệ của những năm 1970 Trào lưu này có liên quan và phát sinh bởi phương pháp bán hàng năng nổ, sự quảng bá của các phương tiện truyền thông cũng như công tác marketing của giới môi giới nghệ thuật và các gallery

Tranh của trào lưu nghệ thuật Biểu Hiện Mới, mặc dù rất đa dạng trong hình thức, nhưng có những đặc điểm chung nhất định Đó chính là sự loại bỏ các tiêu chuẩn truyền thống trong bố cục và cách trình bày, là sự mâu thuẫn trong tư tưởng và thường có sắc thái tình cảm dễ cáu giận phản ánh cuộc sống thành thị đương đại và các giá trị của nó NT Biểu hiện Mới thường không quan tâm đến việc lý tưởng hoá sự mô tả mà sử dụng các màu sắc mạnh mẽ, sáo rỗng, đối chọi nhau trong sự hoà hợp tổng thể, sự căng thẳng và mô tả đối tượng một cách sinh động bằng cách sử dụng bút pháp nguyên thuỷ để

có thể truyền tải ý nghĩa của sự xáo trộn nội tâm, căng thẳng, chán ghét và sự tối nghĩa (sau đó, thuật ngữ Biểu Hiện Mới thường để dùng để mô tả cách tiếp cận này) Trong số các nghệ sỹ đi đầu trong trào lưu nghệ thuật này phải kể đến nghệ sỹ người Mỹ Julian Schnabel, David Salle, nghệ sỹ người Italia Sandro Chia và Francesco Clemente, nghệ sỹ người Đức Anselm Kiefer và Georg Baselitz Trào lưu Nghệ thuật Biểu Hiện Mới gây tranh cãi không chỉ về chất lượng của các tác phẩm nghệ thuật mà còn vì tính thương mại cao mà nó mang đến cho cộng đồng người mua nghệ thuật

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Julian Schnabel, David Salle, Francesco Clemente, Sandro Chia, Anselm

Kiefer, Georg Baselitz

Post Modernism - Hậu Hiện đại (1960s - )

Thuật ngữ "Hậu hiện đại" được đặt cho hàng loạt các hiện tượng văn hoá, và được dùng để phân biệt với tính nghiêm túc của CN Hiện đại Nghệ thuật Hậu Hiện đại ưa thích tiếp cận sự sáng tạo một cách chiết trung hơn và mang nhiều màu sắc của CN Dân tuý

Thuật ngữ này được dùng phổ biến vào những năm 1970 Nó được dùng để chỉ một phong cách nghệ thuật cũng như thường được sử dụng để gọi tên một trào lưu nghệ thuật

Tranh được mô tả thuộc về trào lưu nghệ thuật Hậu Hiện đại bao gồm các tác phẩm của Stephen Mc.Kenna và Carlo Maria Mariani, Peter Blake và David Hockney

Những nghệ sỹ tiêu biểu: Jasper Johns, Frank Stella, Donald Judd, Bridget Riley (Op Art).

Phần 2 :

Các trào lưu nghệ thuật

Từ Hiện đại đến Hậu hiện đại (1960 - nay)

_

Portraiture - Tranh chân dung

Dù đó là chúa Trời, Liz Taylor, hay Henry V, chúng ta luôn bị ấn tượng bởi hình thức bề ngoài của họ họ cao hay thấp, mắt xanh, trông sáng láng, với bộ tóc màu đỏ hay hàm răng xấu tệ hại? Và chúng tatiếp tục tìm kiếm Chân dung có một ngôn ngữ chung; người xem đọc qua hình dáng, tư thế, quần áo,